Concerti 2025

Tratto dall’omonimo libro di Ezio Guaitamacchi, lo spettacolo è un viaggio suggestivo, tra racconti, suoni e visioni, nelle vite e nelle canzoni di 12 grandi artiste. Le incredibili storie di Bessie Smith, Billie Holiday, Sara Carter, Joan Baez, Aretha Franklin, Janis Joplin, Joni Mitchell, Nico, Patti Smith ed Amy Winehouse (insieme ai loro brani più leggendari) unite da un ideale fil rouge narrativo per uno spettacolo unico, originalissimo che esplora i mille risvolti della femminilità. Scritto e narrato da Ezio Guaitamacchi (sul palco anche in veste di musicista) lo spettacolo conta sulla formidabile vocalità di Brunella Boschetti e sul talento di Andrea Mirò, polistrumentista, cantante e direttore musicale dello show. Basato su un affascinante impianto musical-teatrale, lo spettacolo vive di momenti di narrazione e di recitazione arricchiti da proiezioni di immagini su un grande schermo
alternati a segmenti in cui le protagoniste sul palco si trasformano nelle grandi “regine” di cui
si raccontano le storie. Dalla vicenda travagliata dell’Imperatrice del Blues, Bessie Smith, alla prima canzone femminista della storia (Single Girl, Married Girl) di Sara Carter, dalla tenace decisione di Billie Holiday di voler interpretare un brano anti razzista (Strange Fruit) a quella di Aretha Franklin di chiedere “rispetto” per tutte le donne di colore. Dalle battaglie per i diritti civili di Joan Baez sino all’ecologismo ante litteram di Joni Mitchell passando dall’intraprendenza delle prime rocker come Janis Joplin o Patti Smith, in grado di misurarsi alla pari in un territorio “machista” come il rock and roll, al songwriting introspettivo
e tormentato di Amy Winehouse, una che non aveva vergogna a cantare che “l’amore è un gioco in cui si perde sempre”.

Line up
Ezio Guaitamacchi (chitarre)
Andrea Mirò (voce e piano)
Brunella Boschetti (voce)

“Omaggio a Nino Rota” con il trombone solista dei Wiener Philarmoniker  di Vienna e l’Orchestra Filarmonica Marchigiana diretta dal Maestro Roberto Molinelli, nella prima parte del concerto oltre al concerto per trombone verrà  eseguito il concerto per archi di Rota e nella seconda parte una suite delle più famose colonne sonore che il compositore ha realizzato per i film di Fellini.

Musiche: Nino Rota, Roberto Molinelli

Orchestra Filarmonica Marchigiana

Enzo Turriziani : Trombone Solista Wiener Philharmoniker

Roberto Molinelli: Direttore

I Minotauri di Anais Drago rappresentano le nostre solitudini, raccontate attraverso personaggi che appartengono a immaginari diversissimi e apparentemente incompatibili tra loro, ma nei quali diventa difficile non immedesimarsi. In concerto vengono narrate vere e proprie storie di solitudine, tramite un attento utilizzo del materiale musicale, talvolta essenziale e minimalista, talvolta ricco e variopinto nella sostanza e nello sviluppo, frutto della penna e dell’improvvisazione della Drago. L’utilizzo della voce, usata per cantare e declamare, esplora temi e testi di autori quali Friedrich Dürrenmatt e Italo Calvino.

BIOGRAFIA: 

Anaïs Drago è una violinista e performer italiana, nata a Biella nel 1993.

Vincitrice del Top jazz 2022 (referendum indetto dalla rivista Musica Jazz) nella sezione nuove proposte, si muove tra le sonorità dell’improvvisazione libera, della musica elettroacustica, del jazz e della canzone. Prima classificata in Seifert Competition 2024, concorso internazionale per strumentisti ad arco nel jazz, e Premio SIAE 2022, nel 2023 e 2024 il suo nome appare nel referendum annuale della rivista newyorkese Downbeat nella sezione rising stars – violin section.  Si è esibita in qualità di leader sui palchi dei più importanti festival jazz d’Italia e internazionali, collaborando inoltre con Istituti Italiani di Cultura in Asia e Americhe. Dal 2021 dedica una parte importante dell’attività di ricerca e concertistica al solo, che le è valso numerosi riconoscimenti da parte della critica e della stampa nazionale.

Ha suonato in duo con Enrico Rava e condiviso il palco con musicisti quali Louis Sclavis, Dado Moroni, Maria Pia de Vito, Bruno Chevillon, Daniele Roccato e dal 2023 è artista supportata dal centro di produzione WeStart.

Vincitrice del premio SIAE 2022, concorso Isio Saba 2022, premio Taste of Jazz/NUOVO IMAIE 2021, e, precedentemente, finalista al Conad Jazz Competition di Umbria Jazz 2019 e primo premio nella categoria jazz di Amadeus Factory 2018 trasmesso su Sky Arte, Anaïs è stata artista in residenza per Fondazione Musica Per Roma, Auditorium Parco della Musica Roma, Una striscia di terra feconda festival, Pro Helvetia Foundation a Venezia e Ginevra, Mahidol University di Bangkok e ha preso parte a programmi internazionali quali International Jazz Platform 2024 (PL).

Ha pubblicato tre album come leader e co-leader (editi da Parco della Musica Records, CAM Jazz e Another Music Records) e compare in qualità di special guest in numerose incisioni discografiche.

Il Recital “Senza libri, senza chitarra, senza cielo…” vede come protagonisti il soprano Lucia Fiori, il chitarrista Luigi Travaglini e gli attori Mauro Pierfederici e Alessio Messersì. Il concerto si sviluppa attraverso scritti mazziniani e musiche di compositori come M. Giuliani, L. Legnani, N. Paganini, G. Caccini, G. Paisiello, F. Sor, A. Diabelli, T. Cottrau, F. Moretti, e autori anonimi dei secoli XVII e XIX, presentando un Giuseppe Mazzini poco conosciuto, che “suonava molto bene la chitarra e cantava accompagnandosi con essa”. Mazzini, infatti, era un attento conoscitore e un ottimo interprete del repertorio musicale a lui contemporaneo. Inoltre, è stato autore di un piccolo trattato di estetica musicale intitolato Filosofia della musica.
La chitarra, fu per Mazzini una compagna di vita, rifugio sicuro nei momenti più duri della sua esistenza, unico conforto nella solitudine in cui spesso si trovò esiliato. Non è noto con chi avesse studiato questo strumento, ma egli deve aver mostrato senza alcun dubbio spiccate doti musicali se suo padre poté dirgli “Se tu volessi potresti avere una certa fortuna per merito dell’intelligenza che hai sopra la musica. […] potresti incontrare l’appoggio e la protezione di tutti quei che hanno passione per la musica e principalmente con la Regina Vittoria, accompagnare il canto e il suono con quello della chitarra, che suonavi eccellentemente, e allora che rumore, che gioia, che rabbia”.

Lucia Fiori soprano

Luigi Travaglini chitarra

Alessio Messersì voce recitante

Mauro Pierfederici voce recitante

Olivia Trummer, lentamente ma inesorabilmente, ha superato il ruolo iniziale di pianista jazz di formazione classica e si è rivelata anche una raffinata songwriter e una interprete particolarmente espressiva.

Olivia presenta le sue canzoni in un modo affascinante e autentico, creando quelle connessioni completamente nuove tra i generi che le sono valse già numerosi riconoscimenti. Gli anni di formazione trascorsi a New York, la metropoli del Jazz e il suo stretto legame con la musica classica europea sono sempre stati, e restano, continue fonti di ispirazione.

Infatti Olivia Trummer non può essere vincolata a un genere o a delle coordinate geografiche. La sua musica, come affermato dalla stampa “combina magicamente la fluidità ritmica di Gretchen Parlato con lo stesso senso di meraviglia di Esperanza Spalding” (jazzwise magazine). Ciò diventa particolarmente evidente nei suoi concerti da solista dove il suo pianismo lirico, colmo di arguzie e sfumature, convive e si intreccia magicamente con la sua voce cristallina, emotiva e sensuale, che a volte si trasforma in uno strumento a fiato avventurandosi fino ad altezze vertiginose, catturando definitivamente l’ascoltatore.

I suoi brani, dalle melodie spesso complesse ma immediatamente memorizzabili, traggono spunto dalla costante osservazione del mondo, con occhi e mente ben aperti, in una continua mediazione tra ragione e sentimento.
Nei suoi concerti in solo alterna versioni personalissime dei capolavori di Sting, Ray Charles, John Lennon, Bill Withers, Chick Corea e altri, a brani originali creando una performance dal vivo completa ed emozionante.

Attiva in tutto il mondo come solista e bandleader, Olivia Trummer ha condiviso il palco con artisti del calibro di Kurt Rosenwinkel, Eric Clapton e Bobby McFerrin, tra gli altri, e si è esibita in festival come Montreux Jazz Festival, Umbria Jazz Festival, GroundUp Festival, London Jazz Fest e in luoghi come Birdland NYC, Blue Note Tokyo, Shanghai e Milano, Ronnie Scott’s, Konzerthaus Wien e Berlino. Oltre alle sue evidenti capacità pianistiche e vocali, si è affermata anche come compositrice e cantautrice, pubblicando, ad oggi, 10 album.

Line up:

Olivia Trummer: pianoforte e voce

Progetto di esecuzione integrale delle sonate per pianoforte di Ludwig van Beethoven 

1° Concerto: L’ESORDIO E LE EREDITÀ

Opus 2: Tre sonate (1795)

• No. 1: Sonata n. 1 in Fa minore
• No. 2: Sonata n. 2 in La maggiore
• No. 3: Sonata n. 3 in Do maggiore

Guida all’ascolto a cura del musicologo Paolo Peretti

Musiche di L. van Beethoven

Il concerto sarà affidato all‘Ensemble Chitarristico Piceno, formazione musicalmente attiva nel territorio da più di 10 anni, con il coinvolgimento dei giovani chitarristi frequentanti i corsi ad indirizzo musicale delle Scuole Medie del territorio e di alcuni Conservatori. Nell’occasione verrà eseguito un brano inedito per ensemble di chitarre e voce recitante appositamente composto dal M° Michele Di Filippo, che, oltre a dirigere l’esecuzione, terrà una masterclass di musica d’insieme nei giorni precedenti al concerto.

Il concerto è in collaborazione con l’AVIS e avrà lo scopo di sensibilizzare sul tema della donazione attraverso il coinvolgimento artistico delle giovani generazioni e la diffusione e arricchimento della cultura musicale e del repertorio della chitarra classica in abbinamento ai temi della solidarietà.

Ensemble Chitarristico Piceno

Ensemble Chitarristico Piceno junior

“Culla e Tempesta” è il nuovo album delle Faraualla. Il Mare è Culla e Tempesta. La Natura maltrattata dall’uomo e mai arrendevole è Culla e Tempesta. I Bambini, vere vittime di questi tempi oscuri, che soffrono senza capirne il motivo ma che inesorabili cercano la gioia di vivere, sono Culla e Tempesta.  Dal Mare tornano a emergere le voci di questo quartetto che per tre decenni ci ha accompagnato lungo viaggi indimenticabili, nuotando tra le espressioni vocali di etnie ed epoche storiche differenti. Per Gabriella Schiavone, Teresa Vallarella, Maristella Schiavone e Loredana Savino il punto di partenza di ogni composizione è una suggestione, un’immagine, un sentimento, descritti attraverso l’immediatezza espressiva della voce. Infinite sono le possibilità di combinazione dei colori vocali, delle note e degli intrecci ritmici. Nel momento creativo una nota chiama quella successiva, un suono si definisce grazie a quello che accade dopo, un accordo può essere bello o brutto o debole o forte a seconda dell’accordo o della pausa che seguirà. E così, mentre si scrive, la trama di una composizione prende corpo momento per momento, fino a perdere il senso del concetto di partenza, per vivere solo di impressioni sonore. Eppure alla fine tutto torna, un filo logico unisce un brano all’altro e nella propria musica si ritrovano le letture amate, gli studi, gli amori e le proteste, i disagi e il senso di appartenenza. È quello che succede in questo disco. 14 tracce, così diverse tra loro, cover e brani originali, testi in italiano, in dialetto, in inglese e poi, ancora una volta come nei lavori precedenti, in lingue inventate e sillabe sonore. Tutto confluisce nelle due parole che danno il titolo al disco: Culla e Tempesta. Alcuni di questi brani sono nati per spettacoli teatrali, altri da fortunate collaborazioni con grandi musicisti, altri ancora da un puro divertimento. Se nei precedenti lavori ogni suono scavava per cercare risposte sull’origine della voce, Culla e Tempesta mostra l’assenza di confini che connota questo straordinario strumento. Nasce da qui la voglia di sperimentare ancora e di giocare con i suoni, raccogliendo suggestioni, immagini, sentimenti, spinte dall’impulso creativo a muoversi attraverso l’immediatezza espressiva della voce. Dal cerchio sonoro della polifonia delle Faraualla emerge una sintesi vocale luminosa e libera da etichette. La Puglia, per secoli terra d’incontro e di passaggio di popoli, è da sempre presente nel suono del quartetto vocale barese. Oggi si parte dal mare e si ritorna sempre lì, a Faraualla, in questa profonda e misteriosa cavità carsica nel cuore della Murgia barese.

BIOGRAFIA:

Ricerca, sperimentazione, avanguardia. L’iconico ensemble polivocale, pietra miliare della sperimentazione vocale, che quest’anno celebra il suo trentennale, è in tour per presentare il nuovo album “Culla e Tempesta”: 14 brani parlano di poesia e violenza, divertimento e sacrificio, guerra e resistenza, fiabe e dura realtà. 

Il quartetto vocale Faraualla nasce nel 1995, le 4 cantanti ricercano l’uso della voce come “strumento” attraverso la pratica della polifonia e la conoscenza delle espressioni vocali di diverse etnie e diversi periodi storici. I risultati di questo lavoro si ritrovano nel repertorio Faraualla, nelle composizioni originali, che spesso evolvono da una matrice improvvisativa, come nei brani tradizionali. Le suggestioni di un viaggio attraverso culture così distanti tra loro si fondono in una sintesi originale in cui emergono con forza le radici culturali del gruppo. La Puglia – per secoli terra di incontro e di passaggio di popoli – è presente nel “sound” che caratterizza la band barese, negli strumenti che accompagnano l’esecuzione, nel nome stesso del gruppo: faraualla è una delle cavità carsiche più profonde presenti sull’altopiano murgiano, a nord-ovest di Bari.

VERACE DUO:

Marco Surace  chitarra

Emiliano Verrino  chitarra e mandolino

Nel 2024, in occasione dei 100 anni dalla scomparsa del noto compositore Giacomo Puccini, i due musicisti sono stati impegnati nel loro nuovo progetto “Pucciniana”. Quest’ultimo ha avuto talmente successo che si è deciso di proporlo anche nel 2025: alle musiche strumentali e vocali del grande Maestro di Lucca, arrangiate per duo di chitarre e per chitarra e mandolino, verrà affiancata una nuova composizione, omaggio Puccini, della giovane compositrice emergente Gaia Aloisi.

Dopo una prima avvincente collaborazione culminata nel 2021 con la pubblicazione del pluripremiato Still Moving e tre anni di tournée in tutto il mondo, Justin Adams e Mauro Durante riportano sulla scena musicale quel sound unico e senza precedenti che li caratterizza grazie all’ultimo progetto discografico Sweet Release.

Sweet Release è il secondo capitolo di un viaggio musicale che ha trasformato l’incontro tra queste due grandi personalità in una nuova e inedita fusione. La title track che apre il disco è un accorato manifesto della poetica del progetto ed è caratterizzata dal tocco inconfondibile alla chitarra di Adams e dalla magistrale tecnica sul tamburo a cornice di Durante. Grazie a un livello di interazione quasi telepatico, i due musicisti hanno registrato l’album in presa diretta, permettendosi magici momenti di pura improvvisazione. Con una tavolozza che spazia dalla Taranta al Rockabilly, dall’estasi Sufi al minimalismo, il percussionista, violinista e cantante salentino e il chitarrista, produttore, compositore britannico, collaboratore storico di Robert Plant, esplorano temi di guarigione e catarsi musicale. 

Justin Adams, virtuoso della chitarra, produttore e compositore, è stato uno dei principali collaboratori di Robert Plant nella sua band, i Sensational Space Shifters, con cui ha collaborato alla stesura di una serie di quattro album e con cui ha girato il mondo. La sua produzione su album iconici di Tinariwen e Rachid Taha mette in mostra il suo senso del groove nordafricano, mentre i suoi premiati progetti con il maestro gambiano Juldeh Camara hanno collegato la tradizione griotica con lo spirito crudo del blues. Il suo recente album solista di atmosfere chitarristiche, Ribbons, è stato nominato dalla rivista Songlines uno dei 50 migliori album dell’ultimo decennio.

Questa nuova collaborazione con il violinista e percussionista del Canzoniere Grecanico Salentino, Mauro Durante nasce da un concerto diretto da Ludovico Einaudi, La Notte della Taranta in Puglia, dove i due si incontrarono sul palco per la prima volta, riconoscendosi spiriti affini nei ritmi trance tipici della Taranta.

Insieme creano un suono crudo e essenziale che commuove e ipnotizza.

Il duo chitarra e bandoneon dei Maestri Giampaolo Bandini e Cesare Chiacchiaretta,  proporrà la musica argentina attraverso il fascino e la magia dei suoi strumenti più rappresentativi. Nato nel 2004, da subito il duo diviene importante punto di riferimento nel panorama concertistico internazionale per la loro grande forza comunicativa unita ad uno straordinario carisma. Invitato dai più importanti festival e teatri del mondo, il duo ha effettuato tournée in più di 50 paesi, riscuotendo ovunque straordinari consensi di critica e di pubblico.

Giampaolo Bandini  chitarra

Cesare Chiacchiaretta bandoneon

Moderatamente Solo Suite per vibrafono, percussioni, oggetti sonori Come nel cubismo assistiamo alla frammentazione degli oggetti e delle forme in geometrie multiple, le quali creano una sorta di “molteplicità” visiva, così nella performance Moderatamente Solo dal titolo “Suite dalla forma bidimensionale” ritroviamo una serie di composizioni che lo spettatore può ascoltare, ma anche immaginare, percependole da diverse angolazioni sonore. Il mio intento è di suonare composizioni e canzoni “scomposte” e di giocare, cosi’ come farebbe un’artista del periodo cubista, con la geometria, la scomposizione, e la rappresentazione simultanea al fine di creare una serie visiva che sfida la percezione tradizionale della forma e dello spazio.

Pasquale Mirra

Considerato tra i vibrafonisti più interessanti della scena italiana ed internazionale. Collabora e ha collaborato con grandi improvvisatori della scena mondiale, tra i quali: Mulatu Astatkè, Michel Portal, Shabaka Hutchings, Rob Mazurek, Moor Mother, Trilok Gurtu, William Parker, Gerald Cleaver, Damon Locks, Fred Frith, Nicole Mitchell, Hank Roberts, Ernst Rijseger, Chad Taylor, Ballakè Sissoko, Jeff Parker, Tomeka Reid, Jamie Branch, Jamie Saft, Tristan Honsinger, Butch Morris, James Brandon Lewis e molti altri. Dal 2013 al 2018 viene nominato miglior vibrafonista italiano dalla rivista di settore Jazz it. Nel 2014 e nel 2015 inoltre considerato tra i migliori musicisti dell’anno per i critici della rivista Musica Jazz. Dal 2008 collabora stabilmente con il noto percussionista americano Hamid Drake con il quale suona e ha suonato in diversi progetti partecipando a numerosi Festival in America e in Europa. Con i Mop Mop, gruppo con cui ha collaborato per circa 20 anni ha suonato in numerosi Festival europei, inciso numerosi dischi e preso parte alle musiche del film “To Rome with Love” del regista e attore americano Woody Allen. Dal 2015 collabora con il gruppo C’mon Tigre. Dal 2018 condivide un duo con il trombonista Gianluca Petrella; si sono esibiti in importanti Festival e teatri italiani ed internazionali. Hanno inoltre inciso un disco dal titolo “Correspondence” pubblicato dalla Tuk Music. Ha inciso oltre 40 dischi, svolge masterclass di improvvisazione presso i Conservatori Statali italiani ed ha collaborato con la Radio Televisione Italiana. Si esibito in: Stati Uniti (New York, Chicago, New Orleans), Africa (Egitto, Zambia ed Etiopia) Asia (Giappone, Vietnam, Thailandia, Indonesia) Europa (Olanda, Norvegia, Danimarca, Svezia, Russia, Ungheria, Polonia, Romania, Lituania, Germania, Francia, Regno Unito, Lussemburgo, Belgio, Portogallo, Spagna, Austria, Bulgaria, Grecia, Turchia, Cipro, Serbia, Repubblica Ceca, Slovenia,Bosnia ed Erzegovina, Macedonia del Nord.)

Peppe Servillo, Javier Girotto e Natalio Mangalavite tornano in scena con “L’ANNO CHE VERRÀ”, un concerto dedicato alla rilettura dei brani di Lucio Dalla per ritrovare nella sua scrittura la capacità di fare della canzone un segnale imprescindibile del nostro cercare la vita, del fare poesia. La fama del casertano Peppe Servillo è legata innanzitutto al suo ruolo di frontman degli Avion Travel. L’argentino Natalio Mangalavite è stato una solida spalla per Paolo Fresu e Horacio ‘El Negro’ Hernandez, oltre che per Ornella Vanoni. Javier Girotto, anche lui argentino, deve la propria fortuna in Italia al successo del suo gruppo Aires Tango oltre che alle collaborazioni con i principali jazzisti di casa nostra: Enrico Rava, Fabrizio Bosso, Paolo Fresu, Gianluca Petrella, Bebo Ferra, Antonello Salis… L’intesa tra personalità artistiche così variegate e fortemente caratterizzate si è affinata nel corso di ripetute collaborazioni, che ci hanno fatto apprezzare il loro modo di applicare l’improvvisazione, elementi jazz e ricercatezze varie alle musiche di volta in volta eseguite.

Line up:

PEPPE SERVILLO – voce

JAVIER GIROTTO – Sax soprano e baritono

NATALIO MANGALAVITE – piano, tastiere, voce

“Il Cielo è Pieno di Stelle” è l’omaggio di Fabrizio Bosso e di Julian Oliver Mazzariello alla musica di Pino Daniele.

 Una delle più grandi coppie del jazz italiano di oggi, quella formata da Fabrizio Bosso alla tromba e Julian Oliver Mazzariello al pianoforte, con le interpretazioni originali di brani del grande repertorio del cantautore napoletano. Il “tandem” dei due musicisti ripercorre le diverse traiettorie musicali di Daniele, cercando di restituire un ritratto inedito del cantautore napoletano, puntato soprattutto sulla musica. L’intenzione non è una semplice rilettura, bensì (ri)vestire una musica già grande ma con colori nuovi e autentici, facendo risuonare melodie straordinarie con la timbrica e la poesia di due eccezionali protagonisti del jazz contemporaneo. 

 Un progetto che, a partire da luglio 2022 quando Ernesto Assante li invitò a suonare per la prima volta dal vivo questo tributo nella rassegna da lui curata al Museo Maxxi di Roma, i due musicisti hanno proposto in numerosi concerti in Italia e all’estero, fino alla registrazione dell’album, avvenuta allo storico Splash Recording Studio di Napoli, e pubblicato il 21 giugno 2024 per la Warner Music.

 Il repertorio di “Il Cielo è Pieno di Stelle”, il cui titolo prende spunto dal testo di Mal di te, abbraccia un’ampia rosa di brani, dall’immancabile Napule è (1977) alla trascinante Je so’ pazzo (1979), la magia di Quanno chiove (1980); ma anche le più recenti Quando (1992) e le due perle del 1993 Allora sì e Sicily, quest’ultima registrata all’epoca con il jazzista americano Chick Corea, autore della musica alla quale Pino Daniele aggiunse il testo.

 La musica e la poetica di Pino Daniele – afferma Fabrizio Bosso – hanno influenzato generazioni di musicisti, me compreso. Nelle sue melodie non c’è mai una nota fuori posto e non c’è solo il blues, il rock o il funky ma anche tantissimo jazz. Tutti abbiamo cantato Pino Daniele nella nostra vita.

Anche nella vita di Julian, che condivide con Fabrizio un’amicizia e un sodalizio artistico ventennale, la musica di Pino Daniele ha segnato un momento importante: Era il 1995 ed ero appena arrivato in Italia dall’Inghilterra con la mia famiglia a Cava de’ Tirreni, quando ho sentito da casa mia la città che cantava. Era il concerto di Pino Daniele allo stadio.

Andrea Stacchietti: organo

A. Vivaldi (1678-1741)
Concerto in Sol M RV 299 (trasc. J.S.Bach)
– Allegro assai
– Largo
– Allegro

A. Marcello (1673-1747)
Concerto per Oboe in Re m (trasc. J.S.Bach)
– Andante
– Adagio
– Presto

B. Galuppi (1706-1785)
Sonata in Re m
– Allegro
– (Giga)

Sonata in Mi m
– Allegro assai

D. Cimarosa (1749-1801)
Sonata in Sib M (c79,c78,c80)
– Allegro brioso, Largo, Allegro
– Andante con moto
– Allegro alla francese

Sonata in Do M (c88)
– Allegro

G. Paisiello (1740-1816)
Rondò in Do m

N. Moretti (1763-1821)
Sonata in Do m
Sonata in Do M

Saverio Santoni: organo

ANONIMO PISTOIESE Toccata in do (sec. XVIII)

MICHEL CORRETTE Trio pour les flutes

(1707-1795)

ANONIMO VENEZIANO Sonata in do

(sec. XVIII)

GIOVANNI PAISIELLO Sonata in si bemolle

(1740-1816)

LUIGI VECCHIOTTI Tema e variazioni in fa

(1804-1863)

P. DAVIDE DA BERGAMO Ripieno fugato

(1792-1868)

ANTONIO DIANA Sonata in re

(?-1862)

P. P.BATTISTA DA FALCONARA Pastoale per l’elevazione

(1844-1915)

ROBERTO REMONDI “La goccia” fughetta brillante

(1850-1928)

ALFREDO CASELLA 3 pezzi infantile (dall’op. 35)

(1883-1947) Bolero – Siciliana – Galop final

Attraverso il repertorio cameristico si approfondisce il rapporto dialettico fra gli strumenti; si sviluppa e perfeziona quel senso di comunità che è linfa di ogni orchestra. Con questa consapevolezza, su invito del Maestro Riccardo Muti e per volontà dei musicisti, sono fioriti i gruppi da camera dell’Orchestra Giovanile Luigi Cherubini. Il Quartetto di violoncelli della Cherubini in particolare è appena rientrato in Italia dopo una intensa tournée che lo ha visto attraversare gli Stati Uniti, da una costa all’altra. Dal Weasler Auditorium della Marquette University di Milwaukee alla University of Illinois a Urbana-Champaign fino al prestigioso Logan Center for the Arts dell’University of Chicago. Dopo due tappe nel Midwest – Minneapolis e Madison – ha raggiunto la costa occidentale, con il concerto al The Ebell di Los Angeles. Un tour che si è concluso in un’altra città simbolo degli Stati Uniti, ospiti dell’Istituto Italiano di Cultura di New York. Una ulteriore conferma del respiro internazionale di un’orchestra che, con la guida del suo fondatore il Maestro Riccardo Muti, ha fatto della formazione di giovani musicisti e della valorizzazione della musica italiana nel mondo colonne portanti della sua missione.

violoncelli:  Francesco Angelico, Matteo Bodini, Luca Dondi, Luigi Visco

CORO ENJOY di Cesano Maderno MB, diretto da Raffaele Cifani;

CORO GIOVANILE VALSUGANA SINGERS di Borgo Valsugana TN, diretto da Giancarlo Comar;

CORO NOVA LETIZIA di Lanzo Torinese CN, diretto da Adriano Popolani;

ACCADEMIA DEI DISSENNATI di Monte San Giusto MC, diretto da Lorenzo Chiacchiera;

KASTALIA, ENSEMBLE VOCALE FEMMINILE di Arezzo AR, diretto da Eugenio Dalla Noce. 

Davide Omiccioli: organo

Johann Sebastian Bach   – Fantasia in C Major BWV 570(1685-1750)

                                                     – Chirst, der du bist der helle Tag BWV 1120

                                                     – Concerto in D Major BWV 972 “After Antonio Vivaldi”

Giovanni B.Pergolesi        – Sonata in Fa (1710-1736)

Giovanni Morandi              – Adagio con l’imitazione di Voce Umana (1777- 1856)

Pietro Morandi.                  – Concerto Decimo (1745-1815)

Baldassarre Galuppi.       – Sonata per Organo in d minor, Illy N°66(1706-1785) I. Andante II. Allegro III.Largo IV.Allegro e Spiritoso

Gaetano Valeri                    – Sinfonia per Organo del Sig.Gaetano Valeri (1760-1822) Largo, Allegro.

Davide Omiccioli nato a Fano nel 2003, intraprende lo studio dell’Organo nel 2017 attraverso un percorso quinquennale presso il Liceo Musicale “G.Marconi” di Pesaro sotto la guida dei Maestri Davide Marsano e Lorenzo Antinori. Attualmente frequenta il Triennio in Organo e Composizione Organistica presso il Conservatorio “G. Rossini” di Pesaro sotto la guida del M° Luca Scandali. Ha seguito vari corsi di perfezionamento e masterclass tenuti da docenti di fama internazionale, quali Lorenzo Ghielmi, Patrick Ayrton, Gerhard Gnann, Wolfgang Zerer, Jürgen Essl, Manuel Tomadin. In Aprile 2025 si è aggiudicato il 1° Premio per la categoria “Triennio” alla 1ª edizione del Concorso Internazionale “Terenzio Zardini” di Verona. Svolge l’attività di organista durante le celebrazioni liturgiche presso la Parrocchia di “S.Cesareo” in Fano e organista sostituto nelle Cattedrali di Pesaro,Urbino e Cagli. Fa parte in qualità di collaboratore dell’associazione “Laboratorio Armonico” che gestisce la Rassegna fanese dei “Concerti d’organo a Santa Maria Nuova” e il Festival “Castelli d’aria”.

1. Frescobaldi (1583-1643)

Dal secondo libro di Toccate, Partite e altre composizioni del 1637:

– Toccata Prima

– Canzona Quarta

– Aria detta Balletto

J.J. Froberger (1616-1667)

-Toccata FbWV 101

1. Pachelbel (1653-1706)

Dall’Exachordum Apollinis

– Aria Sesta “Sebaldina”

1. Buxtehude (1637-1707)

-Praeludium in Sol minore BuxWV 163

1. Marchand (1669-1732)

Pieces pour orgue

– Fond d’orgue

– Dialogue

1. Balbastre (1724-1799)

Concerto in Re maggiore 

– Allegro

– Gavotte 

– Allegro

Georg Friedrich Händel (1685-1759) Capriccio in F – G183

Domenico Zipoli (1688-1726) da Sonate d’intavolatura per Organo e Cimbalo – Op. 1

• Canzona Cinque versi in re minore
• All’Offertorio
• All’Elevazione [I]
• Al Post Communio Co’ flauti

Lodovico Giustini (1685-1743) da Sonate Da Cimbalo di piano e forte […] – Op. 1

• Adagio e arpeggiato nell’acciaccature
• Allegro
• Affettuoso
• Corrente
• Tempo di gavotta

Johann Sebastian Bach (1685-1730)

• Toccata BWV 913 [-]
• Thema – [Adagio]
• Allegro

La musica è un oceano che le geografie dei viaggiatori hanno voluto dividere e nominare, per individuare caratteri e memorie.

Ma la memoria antica dell’acqua ci rimanda ad un’unica grande “madre” degli oceani. Quella Pantalassa da cui tutti i percorsi delle acque hanno origine.

Così, in musica, la divisione fra i generi ha portato ad una divisione, che ha costruito il gusto e l’identità di generazioni di musicisti e ascoltatori.

Nel tempo pochi hanno cercato di tenere in evidenza le relazioni mai sopite fra tutte le declinazioni estetiche che si sono succedute o che hanno convissuto, mantenendo in vita quella rete di connessioni vitali che fanno della musica un  linguaggio ecumenico, espressione di sensibilità emotiva e geografia dell’intimo che  sempre di più è chiamata ad essere. E il primo e più importante legame di questa rete è il Canto.

Musicisti che sanno essere jazzisti, capaci di essere interpreti classici e di lanciarsi verso l’ignoto della creazione istantanea, a servizio di questa profonda cura per la memoria di tutto.

Questo trio nasce per essere questo: uno strumento evidente di unità e poesia.

Line up

Lucian Ban : Piano

Marco Colonna : Clarinetto Basso

Mat Maneri : Viola

Uno spettacolo di racconti, suoni e visioni a 60 anni dalla nascita dei Doors

“Se le porte della percezione fossero aperte e ripulite, agli uomini le cose apparirebbero come sono. E cioè, infinite”.

Così parlava William Blake, poeta inglese del 1800. Così lo citava Jim Morrison, poeta rock americano del ventesimo secolo, nell’estate del 1965 quando insieme a Ray Manzarek decise di formare un gruppo rock il cui nome si ispirava proprio a quelle “Doors of perception” evocate da William Blake.

Insieme ai Doors, Morrison ha dato vita a una delle più fantastiche storie rock, una parabola artistica durata poco più di sei anni ma che ha lasciato una traccia indelebile nei cuori e nelle menti degli appassionati.

Nel suo nuovo spettacolo teatral-musicale Ezio Guaitamacchi disegna il profilo umano e visionario del primo poeta rock della storia, un ragazzo misterioso ed enigmatico ma dotato di carisma e personalità.

Tra racconti gustosi e aneddoti curiosi, arricchiti da proiezioni di immagini e filmati storici proiettati su un grande schermo, Guaitamacchi illustra alcuni momenti fondamentali della breve vita di James Douglas Morrison tratteggiandone un ritratto originale che pone l’accento sul Jim “poeta”, sui suoi sogni, le sue fantasie e i suoi amori, ma anche sulle sue ansie, i suoi incubi e le sue paure.

UNO SPETTACOLO IMPREZIOSITO DA UNA DOZZINA DI BRANI DEI DOORS, di JIMI HENDRIX, JANIS JOPLIN e JEFFERSON AIRPLANE RIVISITATI IN CHIAVE ACUSTICA e ORIGINALE

Sul palco, DAVIDE VAN DE SFROOS interpreta il ruolo di Frank Lisciandro, fotografo, regista e amico fraterno di Morrison, mentre ANDREA MIRO’ è Pamela Courson, il grande amore di Jim.

Dagli studi di cinematografia alla UCLA alla formazione dei Doors a Venice, dalle fascinazioni psichedeliche ai concerti sulla Strip di Los Angeles sino al primo contratto discografico, dal successo agli scandali sino alla figa a Parigi e poi alla morte improvvisa, la figura di Jim Morrison viene vivisezionata (nei contenuti) con competente puntualità ma pure (nei modi) con spiritosa leggerezza.

Ezio Guaitamacchi e i suoi “special guest” hanno arrangiato, in chiave minimalista (voce e strumenti acustici) una manciata di brani epocali (da Soul Kitchen a Light My Fire da Riders on the Storm a The End, ma anche da Are You Experienced a White Rabbit) che accompagnano queste storie e che vengono interpretati in modo appassionato dai protagonisti dello show tra cui anche BRUNELLA BOSCHETTI vocalist formidabile, che con Guaitamacchi collabora da diversi anni.

Un modo appassionante, curioso e originale di raccontare la vita e le opere di una delle più grandi leggende della musica del ‘900.

EZIO GUAITAMACCHI, narrazione, chitarre, ukulele, mandolino, autoharp

BRUNELLA BOSCHETTI: voce

ANDREA MIRO’: voce, pianoforte, chitarra

Very Special Guest: DAVIDE VAN DE SFROOS (voce, chitarra)

Il titolo, Cerchi, ben descrive il fil rouge tra le undici tracce, scritte in collaborazione con Molla e Flavia Massimo. Ritroviamo questo senso del legame anche nelle parole della cantautrice: “La prima e l’ultima canzone si tendono le mani a descrivere un cerchio. Nel mezzo, il desiderio di fare la muta, una partita a scacchi tra amore e coerenza, una promessa di cura, l’inganno dei trent’anni, tornare a vivere nel posto da cui si era fuggiti, la confusione di una festa di paese, una fede laica, una migrazione che non segue il caldo, parole che si incagliano. Ogni brano è un anello, una maglia di una collana. Si torna da dove si è partiti ritrovandosi diversi, tenendosi stretta la voce che conserva le tracce del percorso fatto.”

Percorso che ad esempio appare in Complici, storia di chi cresce vicino e insieme lontano, che si ritrova a intervalli di tempo con cadenze sempre varie. Un andamento sinusoidale che si riflette nell’andamento dei cori nella parte finale. Cerchi racchiude al suo interno anche i cambiamenti avvenuti nella vita di Erica Mou, come la maternità. Piccola vita è una dolce promessa e un parlare con il cuore in mano, ammettendo che non sarà sempre perfetta, che non si potrà essere sempre solo madri (“Perdonami se sono umana/Cedo anch’io al bisogno di esistere/Lontana dall’inerzia che muove l’universo”).

Cerchi è un piccolo gioiello sospeso tra pop, cantautorato e labor limae artigianale. Da ascoltare e riascoltare.

Line up:

Erica Mou voce e chitarra

Flavia Massimo voce e violocello

Luca Giura alias Molla voce, batteria e basso