Concerti 2024

Il concerto in solo “Sea Warrior” di Naomi Berrill, rappresenta efficacemente la sua versatilità e la fluidità del suo percorso artistico: il folk, irlandese e non solo, la musica classica e l’improvvisazione diventano, dialogando tra loro, gli elementi di una narrazione. Narrazione della quale Naomi scrive ora un nuovo capitolo che vedrà la sua stesura finale nel nuovo album “Inish”, in pubblicazione con Egea dopo l’estate, in cui l’Artista racconta la bellezza dei luoghi e allo stesso tempo la durezza della vita degli abitanti delle isole incontaminate di Inishshark e Inishbofin.

Naomi Berrill è una violoncellista, polistrumentista, compositrice, autrice e cantante irlandese stabilitasi a Firenze da diversi anni. Dopo aver portato a compimento gli studi classici in Scozia, Svizzera e Italia comincia a sperimentare l’uso dello strumento come accompagnamento alla voce, componendo e arrangiando nuovi brani in cui prende spazio anche l’improvvisazione.
Ad oggi ha pubblicato tre album: “From the Ground” (Lampi 2015) “To the sky” (Egea 2017), e infine “Suite Dreams” (Warner Music Italy 2020) prodotto ed edito dalla storica Casa Musicale Sonzogno.
Le sue collaborazioni spaziano tra diversi generi e le discipline artistiche come ad esempio: i violoncellisti Giovanni Sollima e Mario Brunello, The Crash Ensemble, il compositore Arvo Part, il videoartista Bill Viola, il compositore Bill Whelan, lo scrittore Stefano Benni e diverse compagnie di danza, tra cui la compagnia Virgilio Sieni e il New York City Ballet.
Naomi Berrill si è esibita in tutta Europa sia in ambito classico che jazz in prestigiosi contesti come: Amsterdam Cello Biennale, Music for Galway, Suoni delle Dolomiti, Festival dei Due Mondi (Spoleto), Trame Sonore (Mantova), Uffizi Galleries (Firenze), Spike Cello Festival (Dublino), Edinburgh Fringe Festival, Filarmonica Romana, Biennale Danza e Biennale Architettura (Venezia), Sagra Musicale Malatestiana (Rimini), Cantiere Internazionale d’Arte (Montepulciano).

Il gruppo nasce nel 94 da un idea del sassofonista e compositore argentino Javier Girotto, che ispirandosi alle proprie radici musicali e fondendole con le modalità espressive tipiche del Jazz crea un terreno musicale nuovo. Facendo esplicito riferimento alla musica del grande Astor Piazzolla, Javier Girotto con Aires Tango arriva ad un repertorio di musica originale in progressiva evoluzione, sia per la natura improvvisativa che per il continuo ricambio del materiale musicale. Nel 95 Aires Tango sono gli interpreti della colonna sonora dello spettacolo teatrale I Testimoni (con Gianmarco Tognazzi e Alessandro Gassman), e del film Banditi (di Mignucci con Ben Gazzara e Lumi Cavazos). Nel 96 esce il primo lavoro discografico degli Aires Tango intitolato Malvinas, dal nome argentino delle isole Falklands (che furono, non molti anni fa, teatro di un assurda guerra).

Nel 2024 Aires Tango festeggia la ricorrenza del suo trentennale con un tour e il 13° disco “30” Il gruppo Javier Girotto-Aires Tango é così formato:
Javier Girotto (Sax Soprano), Alessandro Gwis (Pianoforte), Francesco De Rubeis (Percussioni), Marco Siniscalco (Basso).

Roberto Ottaviano – sax soprano
Marco Colonna – clarinetti
Alexander Hawkins – piano
Giovanni Majer – contrabbasso
Zeno De Rossi – batteria

Con il suo quintetto “Eternal Love” il sassofonista Roberto Ottaviano mette l’accento sulla musica come
medicina dell’anima e come cemento delle identità collettive. Eternal Love è un omaggio all’Africa, alla sua
cultura, alla sua musica e al suo popolo, in un’epoca di migrazioni e intolleranze razziali che sembra riportarci
all’America degli anni ’50 e ’60, di Rosa Parks e Martin Luther King. Con una selezione di composizioni di Don
Cherry, Abdullah Ibrahim, Charlie Haden, John Coltrane, Dewey Redman, Elton Dean e brani originali, in un
percorso emozionante che invita gli ascoltatori ad andare oltre le note, alla ricerca di uno spessore interiore
senza il quale è difficile potersi proporre come modelli alle nuove generazioni, non solo di artisti.
Negli ultimi anni Roberto Ottaviano è tornato a occupare quel ruolo di primo piano sulla scena del jazz
nazionale che gli compete. Ne fa fede, oltre alla vittoria a gennaio scorso nell’annuale «critics poll» di Musica
Jazz, anche il recentissimo trionfo del sassofonista barese nel «readers poll» di Jazzit, l’altra rivista dedicata
al jazz in Italia: critica e appassionati, tutti d’accordo, il culmine di un lavoro che ha portato Ottaviano in tutti
questi anni a far quadrare il cerchio delle sue passioni e delle sue curiosità musicali, coniugandole con una
ricerca di suono e linguaggio che mette insieme libera improvvisazione, grande tradizione del jazz e radici
culturali.
Ma, quello che più conta, è la qualità della sua musica a imporsi, frutto di progetti lucidamente calibrati e di
incontri felici con partner musicali importanti, a cominciare dal pianista Giorgio Pagoric, la splendida ritmica
Giovanni Maier – Zeno De Rossi sempre in palla, mentre straordinario è il clarinettista romano Marco
Colonna, qui alter ego di Ottaviano.
Ottaviano con il suo disco ultimo album “Resonance & Rhapsodies” ha ricevuto il premio quale miglior disco
dell’anno dalla rivista specializzata Musica Jazz, e il secondo posto come miglior musicista e miglior gruppo
“Quando Françis Bebey, musicista, scrittore e giornalista camerunense, agitava la sua kalimba, lasciava
risuonare al suo interno dei frammenti di ossa, come dei sonagli.
Bebey amava dire che quello era il suono degli antenati, dei morti che non sono morti, nel senso che non ci
abbandonano ma anzi ci guidano nel peregrinaggio della nostra esistenza.”
Nella cosmogonia Africana, questo è l’Eternal Love.
A questa idea fa riferimento il nuovo lavoro di Roberto Ottaviano che, come in una preghiera, una
evocazione, richiama ad una presenza tangibile tutta la bellezza fiera e battagliera della madre terra e delle
sue anime migliori (anche nella reinterpretazione delle musiche di Don Cherry, Charlie Haden, John Coltrane
e Dewey Redman), per celebrare in questi tempi difficili, la speranza e la voglia di riscatto del genere umano.
E’ la prima volta che, grazie ad un gruppo nuovo di zecca, ma estensione del suo QuarkTet, Ottaviano si
immerge in un “bagno mistico” in cui il Jazz si fa infine musica “Musica Totale”.

“Il viaggio in solitario è quanto di più bello possa esistere”, spiega il musicista. “Ti confronti con la tua intimità, con il passare del tempo, con musiche che ti appartengono. In un certo modo non è molto diverso dal veleggiare tra diverse isole, tenendo conto delle onde, delle correnti e di tutti gli imprevisti che avvengono nelle esplorazioni sottocosta. Ogni volta cerco di spostare il margine di rischio con la consapevolezza che ad attendermi c’è la terraferma. E lì affiorano le composizioni, isole da esplorare e abbandonare per continuare ad assaporare la bellezza della navigazione nell’immenso mondo della musica”.

Esistono pochi musicisti al mondo come Paolo Angeli. Considerato tra i più importanti innovatori della scena internazionale, l’artista isolano è approdato ad una sintesi di linguaggio in cui ha collocato nella contemporaneità la musica tradizionale sarda, tracciando un ponte ideale tra memoria e innovazione, approdando ad una musica d’avanguardia mediterranea. L’improvvisazione costituisce il cuore pulsante dei venticinque anni di carriera di Paolo Angeli, improvvisazione intesa come materiale di collegamento e come sviluppo delle strutture musicali, e la sua chitarra rappresenta il fulcro della sua attività da solista: uno strumento orchestra – dotato di 25 corde, martelletti come il pianoforte, eliche per la realizzazione di bordoni e melodie assimilabili alla ghironda – suonato in pizzicato, con l’archetto, in funzione rumorista e percussiva. Il suo concerto sarà una sintesi di una carriera da solista iniziata nel 1995, con uno focus sugli ultimi album Jar’a, Rade, Níjar e 22.22 Free Radiohead.

Dimensione poetica, energia, creatività, sono l’origine del nuovo sodalizio tra Fabrizio Bosso e Bebo Ferra. Il comune denominatore è certamente il jazz, inteso come pensiero e linguaggio in continua trasformazione e perenne ricerca di nuove sintesi. Brani originali, standard, ma anche altro, fino al Brasile, altra passione comune.
L’amore per la melodia unita alla profonda conoscenza della tradizione jazzistica, l’interazione e lo scambio dei ruoli fra i due strumenti, supportati dalla tensione creativa e dall’empatia ritmica tra i due artisti, danno vita a una musica dinamica, ricca di sfumature e al tempo stesso di grande impatto.

Fabrizio Bosso – Tromba
Bebo Ferra – Chitarra

Fondata da Riccardo Muti nel 2004, ha assunto il nome di uno dei massimi compositori italiani di tutti i tempi attivo in ambito europeo per sottolineare sia una forte identità nazionale, sia una visione europea della musica e della cultura. L’Orchestra, che si pone come congiunzione tra il mondo accademico e l’attività professionale, è formata da giovani strumentisti – selezionati da una commissione costituita dalle prime parti di prestigiose orchestre europee e presieduta dallo stesso Muti – che, secondo uno spirito di continuo rinnovamento, restano in orchestra per un solo triennio.
Dalla sua fondazione, sotto la direzione di Muti, si è cimentata in un repertorio che va dal Barocco al Novecento, con concerti in Italia e nel mondo, nei principali teatri di Vienna, Parigi, Mosca, Colonia, San Pietroburgo, Madrid, Barcellona, Lugano, Muscat, Manama, Abu Dhabi, Buenos Aires e Tokyo. A Salisburgo, dal 2007 al 2011, è stata protagonista di un progetto che il Festival di Pentecoste, insieme a Ravenna Festival, ha realizzato con Riccardo Muti per la riscoperta e la valorizzazione del patrimonio musicale del Settecento napoletano; nel 2015, ha poi debuttato – unica formazione italiana invitata – al più prestigioso Festival estivo, con Ernani, diretta sempre da Muti, come alla Sala d’Oro del Musikverein di Vienna, nel 2008, pochi mesi prima di ricevere il Premio “Abbiati”. Tra le moltissime collaborazioni, può vantare quelle con artisti come Claudio Abbado, John Axelrod, James Conlon, Dennis Russell Davies, Kevin Farrell, Patrick Fournillier, Valery Gergiev, Herbie Hancock, Leōnidas Kavakos, Lang Lang, Ute Lemper, Alexander Lonquich, Wayne Marshall, Kurt Masur, Anne-Sophie Mutter, Kent Nagano, Krzysztof Penderecki, Vadim Repin, Giovanni Sollima, Yuri Temirkanov e Pinchas Zukerman. Grazie al legame con Riccardo Muti, fin dalla prima edizione del 2015 prende parte all’Italian Opera Academy per giovani direttori e maestri collaboratori, creata dal Maestro. Mentre al Ravenna Festival, dove ogni anno si rinnova l’intensa esperienza della residenza estiva, la Cherubini è regolarmente impegnata in nuove produzioni e concerti, nonché, dal 2010, nel progetto “Le Vie dell’Amicizia” che l’ha vista esibirsi, tra le altre mete, a Nairobi, Redipuglia, Tokyo, Teheran, Kiev, Atene, Paestum, Erevan e, nel 2023, a Jerash e Pompei. È stata protagonista del concerto diretto da Muti al Quirinale, in occasione del G20 della Cultura 2021.

Lorenzo Carpinelli

Nato a Lugo nel 1993, laureato in Giurisprudenza all’Università di Bologna, si avvicina al mondo della recitazione all’età di 14 anni grazie ai corsi della “Non Scuola” del Teatro delle Albe di Ravenna, prima come laboratorista e poi come guida, dirigendo una decina di spettacoli fra il 2015 e il 2019.
Il suo percorso di crescita artistica attoriale si arricchisce con la frequentazione di laboratori con maestri del calibro di Marco Baliani, Silvio Peroni, Marco Martinelli, Pietro Babina, Liv Ferracchiati e Gianni Plazzi. Parallelamente dirige corsi di teatro presso la Casa Circondariale di Ravenna e il Cisim di Lido Adriano. Nel 2016 inizia la collaborazione artistica con Iacopo Gardelli in veste di attore e regista, realizzando, fra gli altri spettacoli, “Santa Europa Defensora” (2016), “L’ultimo primitivo. Vita orfica di Dino Campana” (2017), “Vite da niente” (2019), “La stradona” (2019), “Quaderni della quarantena” (2020) e “Abbandono” (2023). Nel 2020 fonda l’associazione culturale Studio Doiz Aps, di cui è attualmente Presidente: il collettivo, composto da giovani artisti under 35, progetta e organizza eventi culturali di vario tipo nel territorio ravennate

La Musica diSTURBA /// voce, violino, theremin, elettronica, giocattoli

Nel suo set onirico e colorato, la polistrumentista pizzica corde, spinge pulsanti e gira manopole. Con la sua scatolina blu aggiunge e moltiplica suoni, e si creano dei piccoli mondi paralleli, in cui voci soavi si confondono con i theremin, maiali gialli diventano cantanti e canzoni dolci e malinconiche sprofondano in abissi di noise.

Polistrumentista, cantante e compositrice. Diplomata in violino, suona theremin, tastiere, synth, effetti elettronici, looper e giocattoli sonori. Il suo percorso artistico abbraccia vari generi – canzone d’autore, rock, jazz, improvvisazione libera, elettronica, minimalismo – ed esperienze diverse – sonorizzazione di film muti, registrazione di colonne sonore originali, accompagnamento di spettacoli teatrali, reading e programmi televisivi. Ha vari progetti in attivo, tra cui OoopopoiooO, duo surreale e dadaista che condivide con Vincenzo Vasi. Ha partecipato a moltissimi festival nazionali ed internazionali come Umbria Jazz, Electromagnetica (Cile), B-Classic (Belgio), Dong! (Danimarca), Tectonics (Scozia), Dancity, RoBOt.
Ha collaborato con un gran numero di artisti tra i quali Tristan Honsinger, Ernst Reijseger, Enrico Gabrielli e Calibro35, Stefano Bollani, Mats Gustafsson e Fire! Orchestra, Wayne Horvitz, John De Leo, Cristina Donà, Stefano Benni, Hamid Drake, Lino Guanciale, Anna Maria Hefele, Giancarlo Schiaffini.

ANTONELLO SALIS “SALISSOLO”

I giochi, i numeri, il virtuosismo mai fine a se stesso. La forza, la provocazione, l’impeto puro.
Antonello Salis ha sempre abituato il suo pubblico a uno show dal vivo veramente
efficace, emotivamente coinvolgente. Antonello è la musica, nel suo corpo c’è musica, riempie ogni spazio, sovrasta ogni rumore superfluo. Alterna al pianoforte la fisarmonica, l’uno e l’altro li suona, li percuote, li possiede come fossero un corpo.
Il repertorio è il più misto possibile e immaginabile: si va da sue composizioni originali a tracce che vanno dal jazz rock all’avanguardia più totale, dai Beatles a tanto altro. Il tutto condito con una dose massiccia di improvvisazione, che per Antonello è una regola d’arte, molto più della composizione. Stordisce il pianosolo di Antonello Salis. Stordisce chi spera di ascoltare un pianoforte solitario, stile jazz; stordisce ancora di più chi crede di conoscere bene il musicista, sardo di nascita e romano di adozione. Salis è un pianista e  fisarmonicista jazz, però usate questa definizione soltanto se andate a cercare i suoi dischi nei negozi, altrimenti rischiate non vi creda nessuno. Compone, esegue, improvvisa, fa dell’estemporaneità una poesia.

Antonello Salis – fisarmonica, pianoforte

Bio Antonello Salis

Nasce il 28 febbraio 1950 a Villamar (CA). Inizia a suonare la fisarmonica a sette anni, in seguito si avvicina al pianoforte studiando da autodidatta. Negli anni settanta milita in diversi gruppi rock suonando l’organo Hammond. Nel 1973 forma il trio Cadmo con Riccardo Lay e Mario Paliano che diventa in seguito il quintetto “G.R.A.” con l’aggiunta del sassofonista Sandro Satta e del trombonista Danilo Terenzi. Nello stesso periodo suona nel quintetto di Massimo Urbani e nel Grande Elenco Musicisti di Tommaso Vittorini. Dal 1978 è protagonista in piano solo e fisarmonica in Italia ed all’estero ospite dei maggiori jazz festival. Il suo percorso musicale ormai quarantennale è costellato da collaborazioni eccellenti: Massimo Urbani, Tommaso Vittorini, Marcello Melis, Enrico Rava, Paolo Fresu,
Roberto Gatto, Stefano Bollani, Riccardo Fassi, Pino Minafra, Paolino Dalla Porta, Francis Kuipers, Stefano “Cocco” Cantini, Gianluca Petrella, Fabrizio Bosso, Michele Rabbia, Simone Zanchini, Javier Girotto, Natalio Mangalavite, Gérard Pansanel, Michel Portal, Lester Bowie and the Art Ensemble Of Chicago, Don Cherry, Don Pullen, Ed Blackwell, Billy Cobham, Horacio “El Negro” Hernandez, Han Bennink, Nana Vasconcelos, Furio Di Castri, Rosario Bonaccorso, Cecil Taylor, Pat Metheny, Joey Baron, Bobby Previte,
Hamid Drake, Bobby Watson, Minino Garay, Richard Bona, Linley Marthe, Francis Lassus, Joel Allouche, Paolo Angeli, Luigi Cinque, Gavino Murgia. E altri ancora: Marcello Allulli, Vito Quaranta, Antonio Jasevoli, Dino Sabatini & Modern Heads, Egidio Marchitelli, Marco Colonna, Baba Sissoko. Come solista ha inciso 4 dischi: “Orange Juice, Nice Food”, “Salis!”, “Quelli che restano” e “Pianosolo”. In duo con Joey Baron “Keys and Skins” (CamJazz, 2008); con Fabrizio Bosso “Stunt” (Parco della Musica Records, 2009)”. Una delle collaborazioni più longeve di Salis è quella con il chitarrista francese Gérard Pansanel con cui ha inciso sette album di cui uno dedicato a Fellini ed alla musica di Nino Rota con l’Orchestra Improvista. La collaborazione con i fisarmonicisti francesi Richard Galliano e Marcel Azzola insieme a Gianni Coscia produce il “Quartetto Nuovo”, apoteosi dello strumento madre di Salis: la fisarmonica. Musicista eclettico Salis, nel corso della sua carriera, si è confrontato in progetti di teatro (Remondi e Caporossi, Leo De Bernardinis), con Lucia Poli, Remo Remotti, Antonio Rezza e Ascanio Celestini. Si è esibito in rassegne e festival di cinema (Biennale di Venezia, Taormina Festival, Premio Solinas), performance di
danza (con Roberta Escamilla Garrison, Teri Weikel). Con Gérard Pansanel ha firmato le musiche del film di Eric Romher “Racconto d’autunno”. Con Paolo Fresu firma la rivisitazione di “Non ti scordar di me” per le musiche del film “Centochiodi” di Ermanno Olmi. Ha inoltre collaborato con Pino Daniele, Ornella Vanoni, Teresa De Sio, Vinicio Capossela, Sergio Cammariere, Quintorigo e diversi altri artisti al di fuori dell’ambito strettamente jazzistico.
Ha partecipato a numerosi festival nazionali ed internazionali tra i quali: Umbria Jazz, Roccella Jonica, Sant’Anna Arresi, Berchidda, Clusone, Ravenna, Parigi, Montreux , Nizza, Le Mans, Madrid, Mosca, Barcellona, Londra, Bath, Oslo, Stoccolma, New York, North Sea, Chicago, Montreal, Santiago del Cile, Tel Aviv, Rabat, Cartagine, Ankara, Vancouver, San Paolo del Brasile, Rio De Janeiro, Saint Louis del Senegal, Città del Messico, seguito da un tour che ha toccato le maggiori città messicane. Nel corso della sua lunga carriera ha ottenuto vari riconoscimenti a livello europeo ed internazionale: premio “Django d’or” 2005 per l’Italia come musicista affermato; il Premio alla Carriera a Cagliari, nell’ambito dello European Jazz Expo 2008; il premio Top Jazz 2008 come miglior strumentista dell’anno (tastiere) e, l’anno seguente “Stunt”, realizzato con Bosso, è stato eletto miglior disco.

Dardust, è Dario Faini, pianista italiano tra i più ascoltati al mondo della nuova generazione. Autore e produttore d’eccezione, ha firmato numerosi grandi successi italiani vantando un palmarés di oltre 90 dischi di platino.

L’artista ha pubblicato una trilogia di dischi: 7 pubblicato nel 2015, Birth del 2016 e S.A.D Storm and Drugs del gennaio del 2020.

Dal 2019 ha firmato produzioni di grande successo, collaborando in più occasioni con artisti quali Mahmood, Elodie, Irama, Lazza e Angelina Mango anche durante varie edizioni del Festival di Sanremo.

Nel 2020 Sturm I – Fear, dal disco S.A.D Storm and Drugs è stato scelto dal colosso informatico Apple Inc. all’interno del keynote annuale per il lancio di presentazione dei nuovi prodotti, trasmesso in streaming dallo Steve Jobs Theater di Cupertino, California.

Nel 2021 ha collaborato con artisti internazionali quali Benny Benassi e Sophie and The Giants che lo hanno accompagnato sul palco del Pala Olimpico di Torino in occasione della sua performance alla 66°edizione dell’Eurovision Song Contest.

A inizio 2022 ha firmato la colonna sonora della “flag handover“, il passaggio della bandiera olimpica tra Pechino 2022 e le prossime Olimpiadi invernali in Italia Milano-Cortina 2026 con i due brani Forget To Be e Inno (Prologo).

Nell’estate dello stesso anno, Dardust è stato Maestro Concertatore della speciale 25esima edizione Notte della Taranta di Melpignano in Puglia.

E’ stato anche uno degli artisti chiamati ad esibirsi per rappresentare Roma nella sua candidatura ad Expo 2030 con “Humanlands – Eternal Evolution”.

A fine 2022 ha pubblicato Duality, il suo ultimo lavoro discografico sul mercato internazionale per Sony Masterworks e Artist First, un album doppio in cui separa le sue due anime o emisferi cerebrali, piano solo ed elettronica, cui ha seguito nella primavera 2023 il Duality Tour nei teatri italiani e club europei: uno show in due atti in cui ha messo in scena l’anima intima e minimalista del piano solo alternata alle atmosfere da rave del set elettronico portato in oltre venti date per la leg estiva. A settembre 2023 la release del nuovo singolo Outside è stata l’occasione per annunciare il ritorno nei teatri con Duality + Guests cominciato a fine novembre: una versione perfezionata dell’ultima tournée che lo ha visto protagonista di cinque concerti-evento insieme ad artisti e ospiti speciali tra cui Saturnino, Elodie, Franco126, Elisa e Samuele Bersani.

Dopo il successo della tourneè An intimate night, con Elisa, Dardust l’ha nuovamente affiancata durante i concerti evento del 2023 all’Arena di Verona in estate e al Forum di Assago in inverno (An Intimate Christmas), da cui è nato il progetto Intimate – Recordings at Abbey Road della cantautrice friulana interamente registrato in diretta dagli Abbey Studios di Londra, preceduto dal singolo Quando Nevica con la musica di Dardust presente anche nel suggestivo videoclip girato in bianco e nero.

Ha composto inoltre la colonna sonora di Cover Story il film evento realizzato per i 20 anni di Vanity Fair presentato al Teatro Lirico Giorgio Gaber di Milano in occasione della kermesse Vanity Fair Stories 2023 e uscito in sala a inizio 2024. Attualmente sta realizzando la colonna sonora del lungometraggio di Mauro Mancini Mani Nude.

Nel 2024 a Bologna è stato anche premiato come miglior producer/talent scout nell’ambito della manifestazione CIAO – Rassegna Lucio Dalla, per le forme innovative di musica e creatività.

Questo concerto comprende brani del repertorio sacro della tradizione sarda e musiche che il violoncellista olandese ha composto come colonna sonora per alcuni film diretti da Werner Herzog: opere cinematografiche, a dir poco visionarie, sulle quali la musica di Reijseger si adagia come un velo magico, contribuendo a creare un effetto ipnotico fuori dal tempo. Da un lato il virtuosismo di Reijseger, che sorprende per la tecnica alquanto trasgressiva e la capacità di trasformare in poesia anche la sperimentazione sonora, dall’altro le screziature armoniche del canto tradizionale sardo dei Cuncordu e Tenore de Orosei: i contrasti espressivi tra jazz d’avanguardia e musica sacra di origine etnica promettono di sprigionare un fascino arcano e conturbante.

Line up
Ernst Reijseger: violoncello, shutri box
Piero Pala: voche, mesuvoche
Mario Siotto: bassu
Luca Frau: contra
Emanuele Ortu: voche

In questo solo Peo Alfonsi propone un repertorio che spazia dal jazz alla canzone, dalla musica classica a sue composizioni originali.

Filo conduttore è lo sforzo di creare una connessione profonda con il pubblico presente e il contesto.

In quest’ottica il programma non viene mai stabilito a priori ma il chitarrista attinge al suo vasto repertorio sulla base dell’ispirazione del momento.

Tra gli autori: J.S.Bach, H.Villa Lobos, B.Evans, T.Monk, E.Gismonti, R.Towner, K.Jarrett, L.Tenco, C.Aznavour, P.Metheny, Lennon-Mccartney ….

“… Per chi è uso all’improvvisazione e fa dell’imprevedibilità un dato irrinunciabile del fare musica l’interazione con gli altri musicisti è la linfa vitale dell’ispirazione.

Per questo quando suono in solo mi sento orfano di questa interazione e cerco di compensare aggiungendo un elemento di sorpresa che viene dal non decidere mai prima i brani che eseguirò.

Sento ancora più forte l’esigenza di creare una connessione profonda con il contesto unico e irripetibile di quel determinato momento, mi è necessario poter attingere all’energia che proviene dal non sapere neppure io che cosa ascolterò..” (Peo Alfonsi)

Peo Alfonsi  è diplomato col massimo dei voti in chitarra classica e da sempre affianca alla musica classica una assidua frequentazione del jazz e della musica improvvisata. In oltre trent’anni di carriera che lo hanno portato ad esibirsi in più di 50 Paesi nel mondo ha suonato tra gli altri con Pat Metheny, Al di meola, Gonzalo Rubalcaba, Noa, Kenny Wheeler, Norma Winstone e molti altri nomi prestigiosi del panorama internazionale. Ha inciso più di 30  CD molti dei quali come leader o co/leader, è Docente di chitarra jazz al Conservatorio di Verona.

Musicista, scrittore, critico e massimo esperto italiano della cultura rock, Ezio Guaitamacchi torna a Risorgimarche insieme ad Andrea Mirò e Brunella Boschetti per uno spettacolo tratto dal suo ultimo libro, ‘She’s a Woman’, un viaggio affascinante nelle vite e nelle canzoni di dodici grandi artiste. Ascolteremo le incredibili storie di Bessie Smith, Billie Holiday, Sara Varter, Joan Baez, Aretha Franklin, Yoko Ono, Marianne Faithfull, Janis Joplin, Joni Mitchell, Nico, Patti Smith e Amy Winehouse (insieme ai loro brani più leggendari). Il tutto unito da un ideale ‘fil rouge’ narrativo per uno spettacolo unico, originalissimo, che esplora i mille risvolti della femminilità. Dalla vicenda travagliata dell’Imperatrice del Blues, Bessie Smith, alla prima canzone femminista della storia (‘Single Girl, Married Girl’) di Sara Carter, dalla tenace
decisione di Billie Holiday di voler interpretare un brano anti razzista (‘Strange Fruit’) a quella di Aretha Franklin di chiedere «rispetto » per tutte le donne di colore. Dalle battaglie per i diritti civili di Joan Baez sino all’ecologismo ante litteram di Joni Mitchell passando
dall’intraprendenza delle prime rocker come Janis Joplin, Marianne Faithfull, Nico, Yoko Ono o Patti Smith, in grado di misurarsi alla pari in un territorio “machista” come il rock and roll. Fino al songwriting introspettivo e tormentato di Amy Winehouse, una che non aveva
vergogna a cantare che «l’amore è un gioco in cui si perde sempre».

Line up
Ezio Guaitamacchi (chitarre)
Andrea Mirò (voce e piano)
Brunella Boschetti (voce)

Il Piano Recital di Dolcenera è una combinazione sapiente di parola, gestualità, musica, vocalità e suono, che riporta alle funzioni primordiali del teatro, cercando, allo stesso tempo, sia di soddisfare l’aspirazione umana a rendere tangibile la relazione con le “divinità”, che di intrattenere il pubblico per definire sarcasticamente i rapporti sociali e la realtà attuale.

Attraverso la rappresentazione laicamente filosofica dei cinque elementi costituenti la Vita (Terra, Acqua, Fuoco, Aria, Etere), la cantautrice descrive l’essenza dell’Anima Mundi per avere il pretesto con il testo delle canzoni, con la musica, i monologhi, la luce, i racconti, di creare la giusta tensione emotiva per il coinvolgimento dello spettatore in un’analisi sull’essenza della natura umana, affrontando tematiche di forte impatto sociale e culturale dell’epoca moderna.

Il Piano Recital di Dolcenera apre finestre sul mondo, sia il mondo interiore dell’essere umano che affronta quotidianamente mille domande, troppo spesso in solitudine, sia il mondo che lo circonda, scorporando, nei cinque elementi costituenti, non solo il suo spettacolo ma anche qualsiasi tema affrontato. 

Il racconto mistico degli elementi costituenti la vita, la canzone d’autore, l’approccio al dialogo con lo spettatore, lo sguardo in controluce proprio della filosofia, conducono il pubblico alla partecipazione, alla visione delle cose e delle persone mediante l’individuazione, nella loro natura, dell’elemento costituente predominante o della combinazione di elementi costituenti. 

Con l’associazione ad ogni singolo elemento costituente di una serie di canzoni della cantautrice, ma anche di altri grandi cantautori italiani e stranieri, è il pubblico a scegliere la scaletta musicale e il percorso del racconto per svelare l’Anima Mundi (titolo dell’ultimo album di Dolcenera), il principio unificante da cui prendono forma i singoli organismi, i quali, pur articolandosi e differenziandosi ognuno secondo le proprie specificità individuali, risultano tuttavia legati tra loro da una tale comune Anima universale.

Alla luce dell’Anima Mundi, lo spettatore vive, da un’altra prospettiva, grandi temi sociali come la guerra, la tutela dell’ambiente, la solidarietà, i flussi migratori, e i diritti civili, ma anche temi ludici sui vezzi della comunicazione e le mode della contradditoria epoca che viviamo.

Con il pianoforte di Dolcenera al centro della scena, il loopper per riprodurre suoni registrati sul momento, il suono dell’organo hammond e del rhodes, i chiari- scuri del suo canto, la capacità di improvvisazione vocale, il tocco rock blues della voce, la sensibilità nel sottolineare le emozioni, c’è un disegno di luci che riproduce l’atmosfera di ogni singolo elemento costituente la Vita, abbinando i colori terapeutici il cui simbolismo si definisce in base alla naturale frequenza che ogni cosa ha nell’universo e in relazione alla luce che la penetra e ai sensi che la percepiscono.

Lucio Corsi è inarrestabile. Dopo un tour indoor che ha toccato i principali club italiani, il cantautore toscano torna dal vivo in numerosi festival del nostro paese dove sarà accompagnato alla batteria da Marco Ronconi, alle tastiere e all’organo elettrico da Giulio Grillo, al basso da Tommaso Cardelli, al pianoforte da Iacopo Nieri e alla chitarra elettrica e slide guitar da Filippo Scandroglio.

L’avventura musicale dell’artista che veste i panni di un eroe, iniziata nel 2022 quando ha presentato il suo secondo progetto “La gente che sogna” (Sugar Music), continua a renderci i protagonisti di una grande favola. I suoi live sono un microcosmo di sonorità rock d’autore e folk surreale, in cui realtà e immaginazione, utopia e mistero riecheggiano nell’aria come le onde di una stazione radio spaziale.

LUCIO CORSI – NOTA BIOGRAFICA

Lucio Corsi è un cantautore toscano classe 1993, proveniente da Val di Campo di Vetulonia. Con una buona dose di cocomeri, dinosauri, farfalle e sigarette per la testa, decide di intraprendere la carriera solista proponendo brani propri in italiano. Apprezzato dal grande pubblico dopo l’esordio nel 2015 con il disco “Altalena Boy / Vetulonia Dakar” e nel 2017 di “Bestiario Musicale”, è nel 2020 con “Cosa faremo da grandi?” – prodotto da Francesco Bianconi e Antonio Cupertino per la Sugar Music – che il cantautore viene consacrato tra le più interessanti personalità musicali della sua generazione e pioniere del genere ‘cantautorato glam’. Il 21 aprile è la data in cui viene rilasciato il suo terzo album “La gente che sogna” (Sugar).

Dopo l’uscita dell’atteso album acclamato dalla critica “Lux Eterna Beach” (Numero Uno/Sony Music) e dopo un tour invernale che ha fatto registrare numerosi sold out, COLAPESCE DIMARTINO tornano con LUX ETERNA BEACH ESTATE 2024, una nuova serie di appuntamenti live prodotti e organizzati da Vivo Concerti.
Lorenzo e Antonio: due amici, due scrittori di canzoni tra i più ricercati e importanti sulla scena italiana dell’ultimo decennio. Sono tornati sul palco dell’Ariston nel 2023 dopo lo straordinario successo di “Musica Leggerissima” (certificato Quintuplo disco di platino) – e del loro primo album insieme “I Mortali” (certificato Disco D’Oro) – brano che ha segnato il 2021 conquistando critica e pubblico e collezionando il maggior numero di presenze alla posizione #1 della classifica EarOne Airplay Radio e ben 5 Dischi di platino e oltre 150 milioni di streaming totali. Nella versione in lingua spagnola di Ana Mena, con il titolo di
“Mùsica Ligera”, è diventata anche una hit internazionale vincendo ai Los 40 Music Awards 2022 come “Migliore canzone nella categoria Spagna” e conquistando la certificazione spagnola del Doppio Disco di PLATINO. Lo scorso 3 novembre è uscito “Lux Eterna Beach”, il secondo album del duo, anticipato da “Cose da pazzi”, il singolo sanremese “Splash”, “Considera”, “La luce che sfiora di taglio la spiaggia mise tutti d’accordo”, “Ragazzo di destra” e “Sesso e Architettura”. Un ritorno atteso quello della coppia, arrivato dopo lo straordinario successo di “Splash” – canzone vincitrice del Premio della Critica Mia Martini e del Premio Lucio Dalla della scorsa edizione Festival di Sanremo, e che è stata decretata canzone dell’anno per Rolling Stone Italia – e del loro
debutto cinematografico con “La primavera della mia vita”, fin da subito cult movie, conquistando numerosi premi come Il Nastro D’Argento per la “migliore colonna sonora originale” e il Globo d’Oro.

Scritto da Vasco Brondi, “Un segno di vita” è un disco figlio della volontà di raccontare la contemporaneità, senza mai dimenticare la scintilla di eternità che deve esserci in ogni cosa. Questo disco è popolato da persone, alberi, laghi e vulcani, tutti incontrati durante il corso delle sue sessioni di scrittura – Ci sono le città ma anche le montagne, le colline, la cascate, i laghi, il mare, le strade tortuose, i viali, le stelle e i fanali delle macchine – racconta il cantautore.

La novità di questo album si può scorgere a partire dalla musica e dalle produzioni che lo compongono, che segnano un nuovo tassello per quanto riguarda il percorso artistico del cantautore, sempre propenso ad evolvere e allargare i confini della sua musica. Vasco Brondi per questo nuovo viaggio musicale sceglie infatti dei compagni di viaggio d’eccezione: hanno contribuito alla ricerca del sound perfetto per questo disco produttori e musicisti del calibro di Federico Nardelli, Matteo Cantaluppi e Federico Dragogna, eccellenze nel panorama musicale contemporaneo.

Più del resto, in “Un segno di vita” si possono scorgere tanti fuochi, che possono distruggere o illuminare, bruciare o scaldare. Le canzoni che lo compongono sono fatte di ritornelli cantati forte, della vita di Vasco Brondi degli ultimi anni e degli incontri che sono stati tradotti in musica.

Questo disco rappresenta per il cantautore l’inizio di un nuovo percorso rispetto a quello che lo ha condotto fino a qui – “una strada che non conosco, ma percorrendola la costruisco” – e da queste canzoni è nato un album che tocca sonorità e territori inesplorati. Nel diario di lavorazione conclude dicendo che approcciarsi alla scrittura di un nuovo disco “è ogni volta come togliere uno strato ulteriore e andare più nel profondo, avvicinarsi al nucleo incandescente della Terra e di noi stessi e vedere cosa succede, condividerlo con gli altri”.

In “Un segno di vita” il cantautore ha arricchito le canzoni di suoni e umori presi a diverse parti del mondo, nei brani che lo compongono si percepisce la contaminazione delle letture – diverse, da Roberto Bolaño a Pasolini, passando per Grazia Deledda e Amelia Rosselli –  e dei viaggi tra Val D’Aosta, Canarie e deserto che hanno scandito le diverse fasi di scrittura di questo disco.

Un fenomeno web, ma con tanta sostanza musicale: nel giugno del 2017 nasce in rete il duo Ebbanesis, composto da Viviana Cangiano e Serena Pisa. Due voci e una chitarra, che cominciano ad apparire su Facebook con intriganti rivisitazioni di classici della canzone napoletana ma anche celebri pezzi rock cantati in dialetto: è il caso di Carmela, che ha superato le 400.000 visualizzazioni e soprattutto Bohemian Rhapsody dei Queen, che ne ha registrato oltre 2.000.000, diventando un autentico caso mediatico. La stessa pagina delle Ebbanesis è seguita da oltre 300.000 followers da ogni parte del mondo. Richieste per concerti arrivano dall’Italia ma anche dalla Francia, dalla Germania, dalla Russia, dagli Emirati Arabi e dalla Svezia. In questi Paesi esteri le Ebbanesis si sono esibite con successo nelle città di Santa Lucia (Femin’arte Corsica), Monaco di Baviera (Gasteig – KleinerKonzertsaal), Mosca (Teatrium), Stoccolma (Istituto Italiano di Cultura), Palácio de Cristal(Porto),
Centro Cultural di Belém (Lisbona) e Riyad, dove per la prima volta due donne europee sono salite su un palco per una performance pubblica. Il 24 gennaio 2020 Soundfly pubblica il loro secondo album Transleit, dal titolo del loro nuovo spettacolo, sunto della loro maestria e del loro repertorio, registrato nell’Auditorium Novecento di Napoli, uno degli studi di registrazione più antichi d’Europa. Massimo Ranieri le ha volute ospiti fisse nel programma “Qui e adesso” per le quattro puntate in onda su Rai Tre dove hanno interagito con Arturo Brachetti in una magica rappresentazione di suoni ed immagini; Stefano Bollani ha duettato
con loro nel suo programma “Via dei Matti n. 0” in onda su RaiTre; Stefano De Martino ha dedicato loro una intera puntata di “Bar Stella” in onda su RaiDue.

Line up:
Serena Pisa – Voce e Chitarra
Viviana Cangiano – Voce

La musica brasiliana è, per natura, scambio fra culture diverse. Lo Choro è un genere musicale che nasce dall’incontro fra musica europea e musica africana, a Rio de Janeiro, più di 150 anni fa. Vive, si evolve e si diffonde grazie all’incontro fra persone di tutte le età, genere, estrazione sociale e livello musicale, grazie al ruolo di collante sociale che ricopre ed è considerato il primo genere musicale strumentale urbano brasiliano.

Choro de Rua nasce nel 2012 dal profondo desiderio di diffondere e suonare Choro, offrendo a chiunque la possibilità di apprezzare questa musica, che fa bene a chi la suona e a chi la ascolta.

Da allora, il duo svolge un’intensa attività concertistica, didattica, di ricerca e di divulgazione, grazie anche a seminari e Rodas de Choro (incontri informali aperti a tutti).

L’ultimo disco del duo si chiama Santo Bálsamo (Visage Musica, 2020) ed dedicato esclusivamente a brani di Choro contemporaneo. Nel 2024 è in previsione la pubblicazione di un nuovo disco dedicato allo stesso ricco ed inesauribile mondo dello Choro contemporaneo, grazie ad una ricerca molto approfondita sul genere.

Choro de Rua è formato da:

Barbara Piperno, flauto traverso (e voce)

Marco Ruviaro, chitarra sette corde (e mandolino).

Gruppo storico della musica popolare italiana con all’attivo numerosi concerti in tutto il mondo e collaborazioni con grandi artisti come Piero Pelù (Acquasantissima), Cirque du Soleil (The Film) Eugene Hutz (Gogol Bordello), Moni Ovadia (La memoria dell’acqua) e spettacoli con Paolo
Rossi, Lella Costa, Ambrogio Sparagna, Taraf de Haidouks, Radu Mihaileanu, Nikita Mikhailkov e tanti altri. Nel nuovo spettacolo REBELDE, musica e storie dalle province zingare d’Italia, tra concerti e
matrimoni, processioni e feste popolari. Questa volta al centro è la musica ribelle degli anni ’60 e ’70 quando nuove parole e nuovi ritmi arrivarono a movimentare i repertori di giovani artisti e gruppi.
E gli Acquaragia Drom vanno a scovare quei suoni attraverso alcuni standard di quegli anni – come “24.000 baci”, “Lo Straniero”, “Quelli eran giorni” – e alcune nuove composizioni originali che a quello stile si ispirano. Una miscela speciale vibrante ed ironica, di sicuro coinvolgimento, tra un saltarello molisano e un unza unza di stile balcanico, una serenata sinti e uno standard rock and rom di profumo
contadino nell’originale stile forgiato dagli Acquaragia Drom.

Line up
Elia Ciricillo voce, chitarra, tamburelli, danza
Rita Tumminia organetto, danza
Erasmo Treglia violino, tromba de’ zingari, ciaramella
Paolo Rocca clarinetto, clarone

“Nelle sue mani il bandoneon si trasforma in un’orchestra da camera.” (Pierre Favre) Daniele di Bonaventura, originario delle Marche, è considerato uno dei più originali e creativi bandoneonisti al mondo. La sua musica è una mescolanza meravigliosamente seria e al contempo straordinariamente giocosa di musica classica (composizione, struttura) e di jazz (improvvisazione e libertà) e fa riferimento in particolar modo alle tradizioni melodiche mediterranee e al genere musicale sudamericano. Anche nelle sue esibizioni da solista esegue e improvvisa pezzi che nascono dalla su “patria musicale”, la cui ispirazione spazia dai compositori del barocco ai classici della canzone popolare, per approdare al suo ultimo repertorio, e creano un suo specifico mondo musicale incredibilmente variegato e nel contempo inconfondibile, dove il
bandoneon sa trasformarsi, come per gioco, in un’armonica a bocca o nell’organo di una Chiesa. Nasce una corrente dinamica di melodie superbe, capaci di incantare l’ascoltatore.

FRANCESCO SCARCELLA ha compiuto gli studi d’Organo e Composizione Organistica al Conservatorio “T.Schipa” di Lecce, Musica Corale e Direzione di Coro al Conservatorio “N.Piccinni” di Bari, Strumentazione per Banda al Conservatorio “N.Rota” di Monopoli.

E’ Ispettore Onorario per gli Organi Storici  del MiBAC presso la Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per le province di Brindisi, Lecce e Taranto.

Vincitore di Concorsi Nazionali ed Internazionali come interprete, nonché di Concorsi a Cattedra.

Tiene seminari presso l’Università degli Studi di Lecce.  Già docente  accompagnatore al cembalo e al pianoforte presso il Conservatorio di  Musica “T.Schipa” di Lecce.

E’ fondatore e direttore artistico del Festival Organistico del Salento.

Programma:

Louis Archimbaud (Carpentras 1750) :  Ouverture à la Française

Mathieu Lanes (Toulouse 1715) :  Récit pour l’élévation

Pau Casals (Prades 1949) : Sardana « Sant Marti del Canigo »

Arabo-Andalou (Andalousie 8° siècle) : Deux mélodies orientales

Johann Sebastian Bach (Thuringe 1725) : Choral “Erbarm dich”  BWV 721

Jean-Philippe Rameau (Paris 1735): Suite sur des thèmes d’opéras  (Ouverture, Air, Duo, Musette et Tambourin, Chaconne en rondeau) 

Francis Chapelet (Né en 1934) : Tiento de Tiple de cuarto tono

Joan Cabanilles (Valencia 1690) : Tiento de batalla de segundo tono

Improvisation sopra Passamezzi

Georg Friedrich Händel (1685-1759)

Ciaccona in sol maggiore

Andrea Lucchesi (1741-1801) 

Tre Sonate 

Rondò, Grave, Allegro assai 

Dietrich Buxtehude (1637-1707) 

Wie schön leuchtet der Morgenstern, BuxWV 223 

Padre Davide da Bergamo (1791-1863) 

Elevazione in re minore 

Dietrich Buxtehude (1637-1707)

Praeludium in sol minore, BuxWV 163 

Alessandro Scarlatti (1660-1725) 

Partite sull’aria della Follia

Giulio Mercati, come solista all’organo o al clavicembalo, si è esibito in oltre venti paesi nel mondo.È direttore del Gruppo Vocale «San Bernardo» e del Concentus Lucensis, formazione con sede nella Cattedrale di Lugo (Spagna). Vanta numerose direzioni artistiche di rassegne prestigiose, in Italia, Svizzera e Spagna. È docente di Storia della Musica Sacra presso la Facoltà di Teologia di Lugano.

Programma:

Bertali Ciaccona per violino e basso. (1605-1669

Castello Sonata seconda, per violino e basso (? – ante 1658)

F. Handel  Sulla ruota della fortuna  (1685-1759) (Rinaldo, trascrizione per tastiera di W. Babell)

                      Bel piacere (Rinaldo, trascrizione per tastiera di W. Babell)

Albinoni Sonata da chiesa per violino e basso Op 4 n. 4 (1671-1751 (Adagio – Allegro – Adagio – Allegro)

F. Händel Sonata in re maggiore Op. 1, n. 4  HWV 371 (1685-1759) (Affettuoso – Allegro – Larghetto – Allegro)

Gian Andrea Guerra si diploma in violino al Conservatorio G. Nicolini di Piacenza, si perfeziona a Milano con C. Feige e C. Pavolini. Collabora con Orchestra da Camera di Mantova, Les Musiciens du Prince, Europa Galante, La Risonanza, Accademia Montis Regalis, Sezione Aurea, Atalanta Fugiens, Collegium 1704, Il Canto d’ Orfeo, Accademia d’Arcadia, Collegium “Nova Ars Cantandi”, LaVerdi Barocca, L’ Aura Soave, Accademia Barocca Italiana, La Lira d’ Orfeo…ricoprendo spesso il ruolo di prima parte. Nel 2015 comincia la collaborazione con Antonio Greco ed il gruppo Cremona Antiqua di cui diventa il primo violino concertatore, esibendosi per Ravenna Festival e Festival Monteverdi (Messiah di Haendel con trasmissione radiofonica su Radio 3), Festival di Martina Franca, Tokyo con la ripresa dell’Opera di Scarlatti “Il trionfo dell’Onore”, Festival Monteverdi 2021, 2022 e 2023.

Stefano Molardi, organista e clavicembalista cremonese, premiato in numerosi concorsi nazionali ed internazionali organistici, tra cui Pasian di Prato (UD) nel 1998, Viterbo (edizione del 1996), Brugge e il Paul Hofhaimer di Innsbruck, ha intrapreso una brillante carriera come concertista solista e continuista in ensemble da camera, svolgendo un’intensa attività concertistica con vari ensemble tra cui la Venice Baroque Orchestra suonando nelle sale più prestigiose del mondo, tra cui la Walt Disney Concert Hall di Los Angeles e la Sala Sao Paulo in Brasile, il Musikverein di Vienna, la Carnegie Hall di New York, la Jordan Hall di Boston il Concertgebouw di Amsterdam, il teatro La Fenice di Venezia, ecc.

Ogni artista, nel corso della propria vita, incontra alcune opere di altri artisti che lo emozionano profondamente e spesso lo guidano, stimolandone l’ispirazione o suggerendo una direzione artistica. Esiste dunque un sottile legame emotivo che connette artisti e musicisti di ogni genere e di ogni epoca, che costituisce uno dei motori all’origine del mutare dell’arte.

L’ambizione di Cristina e Saverio con “Spiriti Guida” è quella di mettere in luce questa linea invisibile portando in scena uno spettacolo ricco ed eterogeneo, che accosta al repertorio di Cristina Donà l’opera di quegli artisti (gli spiriti guida appunto) che hanno nutrito la loro anima e contagiato il loro cammino.

Lo spettacolo delinea un percorso evocativo dove le canzoni della Donà, scritte sovente a quattro mani con Lanza, lasciano affiorare i brani dei loro artisti di riferimento, dai primi ascolti giovanili fino a oggi, in una rilettura che attinge da Battisti ai Bee Gees al compositore Claudio Monteverdi, dai Beatles a Sinead O’Connor, passando per De Gregori, Bjork, Bowie e molti altri. Mondi diversissimi che, intrecciati al filo rosso delle canzoni di Cristina Donà e Saverio Lanza, danno vita ad uno spettacolo vitale, curioso, e allo stesso tempo poetico e profondo.

Cristina Donà – Chitarra e voce

Saverio Lanza – Chitarra e tastiere