Concerti

Dieci gennaio 2003. Dieci gennaio 2023. Venti anni esatti dalla nascita del progetto Musica Nuda. Venti anni dalla prima volta insieme di Petra Magoni e Ferruccio Spinetti. Venti anni da una straordinaria serata al TAM Club di Grottazzolina, voluta dal compianto trombettista Roberto Piermartire.

Per festeggiare questa ricorrenza, TAM Tutta un’Altra Musica ha richiamato i due musicisti, per un concerto evento al Teatro delle Api di Porto Sant’Elpidio, con inizio alle ore 21.30.

“La data del 10 gennaio – sottolinea Giambattista Tofoni – ha per noi un duplice e profondo significato. Da un lato la genesi di un’amicizia, quella tra Petra e Ferruccio, che li ha poi portati sui palcoscenici di tutto il mondo con un repertorio unico. Dall’altro il ricordo di Roberto Piermartire, artefice di quel funambolico evento ‘charte blanche’, al quale aveva invitato tanti suoi amici artisti, tra i quali il compianto Fausto Mesolella, Mimi Ciaramella e molti altri artisti. Quella sera, nel magico ambiente del TAM Club, ha preso forma uno dei sodalizi più virtuosi del panorama musicale nazionale ed internazionale, proprio grazie alla passione di un amico che ha lasciato in tutti noi un ricordo indelebile”.

“20 anni in tour”, quindi, sarà l’occasione per ricostruire un mosaico musicale di 8 dischi in studio, 3 dischi live ed un dvd, oltre a circa 1.500 esibizioni in tutto il mondo.

Programma di sala 4 marzo

Orchestra Giovanile Luigi Cherubini

direttore e violoncello solista

Giovani Sollima

Giovanni Sollima (1962) 

The N-Ice Cello Concerto (2021) 

Andante / Allegro / Adagio-Andante

Franz Joseph Haydn (1732-1809) 

Concerto n. 1 per violoncello e orchestra in do maggiore Hob:VIIb:1 (1783) 

Moderato / Adagio / Allegro molto

Giovanni Sollima

When We Were Trees per 2 violoncelli e orchestra (2008)

Resonance Wood (La foresta dei violini) The Architect

Leaves Postcards

The Dangerous Prevalence of Immagination Nyagrodha

The Family Tree (Vivaldi)

altro violoncello solista Ilario Fantone

Giovanni Sollima è un violoncellista di fama internazionale e il compositore italiano più eseguito nel mondo. Collabora con artisti del calibro di Riccardo Muti, Yo-Yo Ma, Ivan Fischer, Viktoria Mullova, Ruggero Raimondi, Mario Brunello, Kathryn Stott, Giuseppe Andaloro, Yuri Bashmet, Katia e Marielle Labeque, Giovanni Antonini, Ottavio Dantone, Patti Smith, Stefano Bollani, Paolo Fresu, Elisa e Antonio Albanese e con orchestre tra cui la Chicago Symphony Orchestra, Manchester Camerata, Liverpool Philharmonic (di cui è stato Artist in residence nel 2015), Royal Concertgebouw Orchestra, Moscow Soloists, Berlin Konzerthausorchester, Australian Chamber Orchestra, Il Giardino Armonico, Cappella Neapolitana, Accademia Bizantina, Holland Baroque Society, Budapest Festival Orchestra.

Per il cinema, il teatro, la televisione e la danza ha scritto e interpretato musica per Peter Greenaway, John Turturro, Bob Wilson, Carlos Saura, Marco Tullio Giordana, Alessandro Baricco, Peter Stein, Lasse Gjertsen, Anatolij Vasiliev, Karole Armitage, e Carolyn Carlson.

Si è esibito in alcune delle più importanti sale in tutto il mondo, tra cui la Alice Tully Hall, la Knitting Factory, la Carnegie Hall (New York), la Wigmore Hall, la Queen Elizabeth Hall (Londra), la Salle Gaveau (Parigi), il Teatro alla Scala (Milano), il Ravenna Festival, l’Opera House (Sidney), la Suntory Hall (Tokyo).

Orchestra Giovanile Luigi Cherubini, fondata da Riccardo Muti nel 2004, ha assunto il nome di uno dei massimi compositori italiani di tutti i tempi attivo in ambito europeo per sottolineare, insieme a una forte identità nazionale, la propria inclinazione a una visione europea della musica e della cultura. L’Orchestra, che si pone come strumento privilegiato di congiunzione tra il mondo accademico e l’attività professionale, divide la propria sede tra le città di Piacenza e Ravenna. La Cherubini è formata da giovani strumentisti, tutti sotto i trent’anni e provenienti da ogni regione italiana, selezionati attraverso centinaia di audizioni da una commissione costituita dalle prime parti di prestigiose orchestre europee e presieduta dallo stesso Muti. Secondo uno spirito che imprime all’orchestra la dinamicità di un continuo rinnovamento, i musicisti restano in orchestra per un solo triennio, terminato il quale molti di loro hanno l’opportunità di trovare una propria collocazione nelle migliori orchestre.

In questi anni l’Orchestra, sotto la direzione di Riccardo Muti, si è cimentata con un repertorio che spazia dal Barocco al Novecento alternando ai concerti in moltissime città italiane importanti tournée in Europa e nel mondo nel corso delle quali è stata protagonista, tra gli altri, nei teatri di Vienna, Parigi, Mosca, Salisburgo, Colonia, San Pietroburgo, Madrid, Barcellona, Lugano, Muscat, Manama, Abu Dhabi, Buenos Aires e Tokyo.

Un viaggio fantastico nella terra delle emozioni incontrollabili, dove fluida scorre l’energia che ci unisce alla natura e all’universo e dove la nobiltà degli animi regna sovrana. Ecco il magico mondo in cui si muove disinvoltamente la musica degli Ogam, formazione marchigiana che dal 1988 mantiene inalterato il suo organico. Una musica senza frontiere, dove la contaminazione culturale ipotizza e si dirige verso la serena convivenza della nuova società interraziale e si riaggancia con l’ancestrale esigenza dell’uomo al nomadismo e al viaggio (inteso come migrazione e conoscenza).

Gli Ogam hanno all’attivo due produzioni discografiche: la prima Li Ma To (1993) dedicata al percorso fisico e spirituale del grande gesuita maceratese Matteo Ricci e la seconda Il regno della Sibilla (2001) suite musicale ispirata alle leggende dei Monti Sibillini. Hanno partecipato a numerose compilations nazionali ed internazionali e realizzato per il teatro le musiche per gli spettacoli La ballata del Vecchio Marinaio di S.T.Coleridge con l’attore romano P. Giorgio, La Rosa, poema trobadorico di e con F. Scataglini e Nel Regno della Sibilla, spettacolo multimediale sulle leggende dei Monti Sibillini.

Hanno realizzato nel 1997, in qualità di ambasciatori musicali, il progetto Il Pullman del Levante, in autobus da Macerata a Pechino, viaggio sulle orme di Matteo Ricci, suonando nelle principali città di Polonia, Ucraina, Russia, Kazakistan e Mongolia.

Line up:

Angelo Casagrande – violoncello

Francesco Savoretti – percussioni

Luciano Monceri – arpa celtica, chitarra acustica, moorin khur

Maurizio Serafini – cornamusa irlandese, cornamusa scozzese, flauti

Ralph Alessi è un affermato artista della scena downtown di New York. Il suo concerto ci farà scoprire i nuovi suoni del jazz contemporaneo, tipicamente newyorchese, fatto di  narrazioni coinvolgenti, temi sofisticati e funzionali alla creazione di improvvisazioni intriganti e magnetiche. I progetti più acclamati sono il suo “Baida Quartet”, con Jason Moran, Drew Gress e Nasheet Waits, e il progetto “This Against That” con Andy Milne, Drew Gress, Mark Ferber e Ravi Coltrane. Alessi ha studiato con il leggendario contrabbassista Charlie Haden: ha al suo attivo una lunga lista di partecipazioni eccellenti avendo collaborato con artisti del calibro di Steve Coleman, Uri Caine, Fred Hersch e Don Byron.

𝑹𝒂𝒍𝒑𝒉 𝑨𝒍𝒆𝒔𝒔𝒊: tromba

𝑭𝒍𝒐𝒓𝒊𝒂𝒏 𝑾𝒆𝒃𝒆𝒓: pianoforte

𝑴𝒂𝒓𝒄 𝑭𝒆𝒓𝒃𝒆𝒓: batteria 

Moderatamente Solo

Una straordinaria suite per vibrafono, percussioni, oggetti sonori, voce e fischio incorniciata in una giornata piena di sorprese.

Riverberi torna a Ripe San Ginesio. A spalancarci le porte della Pinacoteca Comunale, nella mattinata di domenica 19 marzo, saranno i suoni del vibrafonista Pasquale Mirra con il suo “Moderatamente Solo”: un happening dalla forma bidimensionale, con intriganti composizioni che si alterneranno ad improvvisazioni strutturali e libere, in modo variabile ed imprevedibile. Un concerto che, come nella tradizione di #RisorgiMarche, sarà un gioiello sonoro incastonato in una giornata ricca di iniziative.

L’incasso del concerto sarà devoluto ad iniziative culturali del Comune di Ripe San Ginesio.

Pasquale Mirra
Considerato tra i vibrafonisti più interessanti della scena italiana ed internazionale.
Collabora e ha collaborato con grandi improvvisatori della scena mondiale, tra i quali: Michel Portal, Fred Frith, William Parker, Trilok Gurtu, Rob Mazurek, Hank Roberts, Nicole Mitchell, Ballakè Sissoko, Jamie Branch, Tristan Honsinger, Ernst Rijseger, Butch Morris, Brad Jones, Chad Taylor, Jeff Parker, Jamie Saft.
Dal 2013 al 2018 viene nominato miglior vibrafonista italiano dalla rivista di settore Jazz it.
Nel 2014 e nel 2015 inoltre considerato tra i migliori musicisti dell’anno per i critici della rivista Musica Jazz.
Dal 2008 collabora stabilmente con il noto percussionista americano Hamid Drake con il quale suona e ha suonato in diversi progetti partecipando a numerosi Festival in America e in Europa. Con i Mop Mop, gruppo con cui collabora stabilmente suona in numerosi Festival europei e prende parte alle musiche del film “To Rome with Love” del regista e attore americano Woody Allen e dal 2015 collabora inoltre con il gruppo C’mon Tigre.
Dal 2018 suona stabilmente in duo con il trombonista Gianluca Petrella con il quale si è esibito in importanti Festival e teatri italiani ed internazionali. Insieme hanno inciso “Correspondence” disco pubblicato dalla Tuk Music.
Ha inciso oltre 40 dischi, svolge masterclass di improvvisazione presso i Conservatori Statali italiani ed ha
collaborato con la Radio Televisione Italiana.
Si esibito in: Stati Uniti (New York, Chicago, New Orleans), Giappone, Thailandia, Indonesia, Olanda, Norvegia, Danimarca, Svezia, Russia, Ungheria, Polonia, Romania, Lituania, Germania, Francia, Regno Unito, Belgio, Portogallo, Spagna, Austria, Bulgaria, Grecia, Turchia, Cipro, Serbia, Repubblica Ceca.

Un concerto per violoncello solo, un’indagine tra linguaggi musicali moderni e antichi racchiusi in una bolla intima e surreale tra improvvisazione libera, musica classica contemporanea, vibrazioni arcaiche e spunti free jazz.

Giuseppe Franchellucci, violoncellista, si è diplomato presso l’Istituto musicale pareggiato «O. Vecchi» di Modena sotto la guida del M° Marianne Chen. Si perfeziona con i maestri Giovanni Gnocchi, Enrico Bronzi, Luca Signorini.

Lo studio e l’interesse per la musica contemporanea e sperimentale lo hanno portato ad esibirsi con diverse formazioni in manifestazioni come «Nuova Consonanza» a Roma, «900 ed oltre» a Modena insieme al M° Enzo Porta.

Ha avuto collaborazioni con diversi artisti tra cui: Jonny Greenwood (Radiohead) col quale collabora attualmente, Serji Tankian (System of a Down), Mederic Collignon, Paolo Fresu, Gregory Porter, Gianna Nannini, Teho Teardo e Blixa Bargeld, Renato Zero, Iskra Menarini, Ron, Valeria Sturba.

Si esibisce in numerosi concerti in orchestra o formazioni cameristiche, in vari festival e teatri tra cui: Teatro alla Scala di Milano con l’Orchestra Giovanile Italiana, al Ravenna Festival sotto la guida del M° Penderecki, Macerata Opera Festival con Daniel Oren, Umbria Jazz 2017 e 2018, Lugo Contemporanea, Accademia Filarmonica Romana, Konzerthaus di Berlino, Teatro dell’Opera di Timisoara, British Council of Ghana.

Da sempre interessato alla pratica dell’improvvisazione e sperimentazione compositiva nella musica etnica e contemporanea ed elettronica.

Insieme a Valeria Sturba, Dimitri Sillato e Stefano Senni ha dato vita al quartetto «Molossos» dove affronta un repertorio contemporaneo ed improvvisativo con composizioni proprie e brani della cultura classica e non.

Fonda con Gionni di Clemente e Domenico Candellori il progetto etno jazz «TriaT» nel quale partecipa anche il pianista Greg Burk, con questo progetto si esibisce in diretta live su Radio3 Suite durante la trasmissione «Le stanze della musica».

Ambrogio Sparagna in un progetto vocale-strumentale che permette di conoscere più da vicino la maestria compositiva e la passionalità interpretativa di uno tra i musicisti più importanti nel panorama della nuova musica popolare italiana e grande virtuoso di organetto.

In questo “Il Viaggio di Giuseppantonio”, il repertorio esplora la tradizione musicale di area italiana attraverso una serie di brani tradizionali ed altri originali composti da Ambrogio Sparagna e accompagnati da una piccola orchestrina di strumenti che vanno dall’organetto alla conchiglia, dai tamburelli ai cucchiai, dalla ghironda al violino a tromba.

Il filo conduttore è il mitico viaggio emigrante di Giuseppantonio e dei suoi compagni musici raccontato da Sparagna “con parole e musiche”, tra serenate e ballate, ninne nanne e tarantelle d’amore, ritmi frenetici e saltarelli sempre attenti a coinvolgere il pubblico e farlo “camminare”  sulla musica.

Uno spettacolo per far conoscere il repertorio folk italiano attraverso una modalità di spettacolo vivace e coinvolgente da uno degli autori più importanti di questo genere. 

Ambrogio Sparagna: voce, organetti

Alessia Salvucci: tamburelli

Erasmo Treglia: torototela, ghironda, ciaramella

Il concerto in solo di Dario Cecchini è nato da un’idea di Pino Minafra che lo volle presentare in prima assoluta al Talos Festival 2017 di Ruvo (BA). Dario negli anni ci ha lavorato molto, facendo delle prove nella Chiesa di Sant’Andrea a Rovigo e nella chiesa di San Giovanni Battista a Vicchio (FI), paese in cui Dario vive. Inoltre ha sviluppato appositamente un repertorio originale sia per quanto riguarda le ampie parti improvvisate, sia inserendo alcuni brani jazz e non.Nel 2022, proprio da un concerto fatto nella chiesa di Vicchio all’interno del Giotto Jazz Festival, è stato pubblicato il CD ECHOES da Caligola Records con l’intero solo concert. Ogni concerto è un unicum. I brani, la durata delle improvvisazioni, i timbri, le dinamiche, tutto è relazionato al suono del luogo in cui il concerto si svolge. Le composizioni suonate vengono scelte sul momento e si alternano ad ampi spazi improvvisativi. Il concerto non ha scaletta, è l’acustica del posto che invita Dario a suonare un pezzo piuttosto che un altro, facendo un tutt’uno tra la musica scritta e quella improvvisata. Il concerto è pensato per le Chiese perché hanno tutte un loro suono particolare, ma anche in qualunque ambiente abbia un riverbero naturale ed è costituito dalla componente musicale,  da quella del riverbero del luogo in cui si svolge e dal rapporto che si crea con il pubblico. Una sorta di solo concert ma “in tre”.

Javier Girotto presenta un repertorio originale in solo, estratto dal disco “Escenas en solo” per un concerto di grande suggestione e poeticità che va dalla totale improvvisazione a composizioni proprie in vari stili: tango, jazz, folklore argentino e musica classica utilizzando vari strumenti a fiato: clarinetto basso, sax soprano e baritono, vari tipi di flauti andini. 

Javier Edgardo Girotto nasce a Cordoba il 17 aprile del 1965. A 19 anni vince una borsa di studio del Berklee College of Music diplomandosi in Professional Music “Cum Magna Laude”. A 25 anni il trasferimento a Roma dove inizia la sua lunga e solida carriera con formazioni da leader o prestigioso ospite.Dal 2009 al 2011 è stato insegnante nella cattedra jazz del Conservatorio Santa Cecilia di Roma, ha tenuto innumerevoli seminari nei Conservatori di Pesaro, Lecce, Salerno, Como, Torino, Messina, Avellino, Saint Louis (Roma), Lima (Perù) , Cordoba (Argentina), etc.

Nel 2011 inizia la propria avventura discografica inaugurando la “JG records” con un suo primo disco (registrato completamente in Argentina e con musicisti di Cordoba e amici di vecchia data) “Alrededores de la Ausencia. Il secondo dal titolo “Araucanos”, registrato con gli Atem Saxophone Quartet, successivamente registra un disco in solo “ Escenas in solo “ e pubblica un libro con music for saxophone Solo. Ultimamente ha registrato il suo ultimo disco per l’etichetta ACT “Tango Nuevo Revisited” di Javier Girotto Trio dove ha presentato questo disco alla Filarmonica di Berlino nel maggio del 2019. Ha pubblicato 50 dischi a nome proprio come leader e proprie composizioni e più di 150 dischi come collaborazioni.

Musicista, cuoco e pittore, Laviano rappresenta un vero e proprio condensato di diverse arti che riesce a stimolare e sollecitare tutti i sensi. Cresciuto in un ambiente frequentato da artisti, inizia da piccolo a studiare musica sotto la guida del nonno paterno, Maestro di clarinetto. Parallelamente alla passione per la musica manifesta un forte interesse per la natura e le arti figurative: frequenta l’Istituto d’Arte, dove incontra il Maestro Giuseppe Pende che svolgerà un ruolo fondamentale nella sua vita, spronandolo dal punto di vista artistico e non solo.
Sul versante musicale, dopo un approccio agli strumenti tradizionali, trova la sua dimensione con gli strumenti a percussione e ne consegue il diploma presso il Conservatorio di Fermo, iniziando una carriera che lo porterà a collaborare con grandi protagonisti della musica contemporanea, jazz, etnica e world-music, fino ad occuparsi di musiche di scena e sonorizzazioni di film. Svolge inoltre attività didattica e laboratori di musica d’insieme per strumenti a percussione. La grande passione per la musica, la pittura e la gastronomia, lo hanno portato a tracciare nuovi e originali percorsi artistici sfociati in diversi progetti: ne Le pentole narranti Laviano veste i panni di “Musicuoco” dove si esibisce ai fornelli dando vita a uno spettacolo dove mescola, proprio come gli ingredienti di un piatto, musica, cucina e narrazione. Il suo ultimo progetto “SoundSigns” è una performance di improvvisazione dove il gesto pittorico diventa suono: sotto gli occhi e le orecchie degli spettatori Laviano trasforma la tela bianca in strumento musicale mentre contemporaneamente prendono vita originali
opere pittoriche. Come pittore, nel 2015 Laviano partecipa alla 65^ Rassegna Internazionale d’arte premio G.B. Salvi, nel 2017 al premio Caresio di Torino ed espone in occasione del Festival Moncalieri Jazz 2017 (Moncalieri e Torino). A Fermo, nel 2017, presenta la sua prima personale “Segni Suoni Sapori” e nel 2018 presso Spazio Sibilla Arte la personale “Musica Visiva”. Tra i premi: Premio Byron città di Terni (2018), Artista da Museo Monreale (2019), Premio città di Parigi (2019), Cultura Identità (2019), Energia Creativa Venezia-Fermo(2019) , Art in Progress Santa Maria la Nova Napoli (2019). Per il concerto dell’Epifania 2020 di Napoli vengono pubblicate nel programma di sala 5 sue opere, “L’Arte si Mostra” (17 febbraio 2020 – Palazzo Ferrajoli Roma). Nel 2020, presenta la personale a Chieti, a Modena, a Basilea, a Fermo (“Visioni”), Milano (“Solitudini”). Nel 2022 presenta a Fermo e Milano “SoundSigns” la personale e performance di music art . Alcune sue opere sono state utilizzate per copertine di libri, CD ed etichette di vini.

Canto Proibito è la nuova proposta di Ada Montellanico artista tra le più rappresentative del jazz italiano, instancabile ricercatrice di progetti audaci, incentrati su un’idea di suono di gruppo sempre molto innovativa, e sulla scelta di repertori di grande interesse non solo musicale ma anche socioculturale. Negli ultimi progetti artistici ha voluto soffermarsi sull’espressività femminile come nell’album Suono di donna del 2012, nel quale l’attenzione era rivolta alle artiste che nella storia della musica si sono dedicate alla composizione, alla direzione d’orchestra, all’arrangiamento, ruoli storicamente desueti per le donne; oppure ai lavori discografici di grande successo incentrati su due eccelse interpreti come Billie Holiday e Abbey Lincoln, quest’ultima rappresentativa anche del movimento per i diritti civili della popolazione afroamericana e, più estensivamente, di colore. Ada ha sempre avuto una forte predilezione per l’aspetto narrativo e il mondo della “canzone” rielaborato sempre in chiave jazzistica, e ora continuando questo percorso la sfida si è concentrata sull’epoca del medio-tardo barocco, un’era florida e significativa della storia della musica in cui però, forze conservatrici rappresentate dall’Inquisizione molto presente negli stati cattolici proibivano e imponevano divieti e censure: il teatro era considerato luogo di perdizione, gli spettacoli furono interdetti. Alle donne, considerate da sempre esseri perturbanti e pericolosi, fu proibito esibirsi pubblicamente per quanto proprio in quel periodo alcune coraggiose artiste si affacciassero sulla scena socio culturale; per i ruoli femminili subentrarono i castrati, ragazzi a cui in età pre-puberale veniva inflitta una atroce violenza. Ma nonostante tutto la musica persistette nei palazzi dei nobili aristocratici o
in stati più liberali e fiorirono pagine di scrittura straordinarie cariche di sensualità e ricche di qualità e vigore.
Da qui nasce il nome Canto Proibito per il quale sono stati scelte alcune magnifiche composizioni degli autori più rappresentativi di quella epoca: F.Handel, A.Scarlatti, A.Caldara, M.A. Cesti, G. G. Carissimi, F. Cavalli, Barbara Strozzi e Francesca Caccini,
meravigliose e rare compositrici di quei tempi. Per affrontare un progetto così ambizioso e complesso, e per poterlo restituire attraverso una lettura personale e moderna, Ada ha scelto nuovamente di affidare gli arrangiamenti al grande Giovanni Falzone, artista tra i più innovativi della scena attuale, a cui è legata da un forte sodalizio nato più di dieci anni fa a partire dall’album Suono di donna a cui è seguito nel 2017 il riuscitissimo Abbey’s road.

Line up
Ada Montellanico Voce
Giovanni Falzone Tromba e arrangiamenti
Filippo Vignato Trombone
Jacopo Ferrazza Contrabbasso
Ermanno Baron Batteria

“King Zulu” è un grande e inusuale dipinto di Jean-Michel Basquiat del 1986, conservato al MACBA di Barcellona. 

È chiaramente legato all’immagine del jazz e viene in genere citato come un generico omaggio a Louis Armstrong o a Miles Davis. Si tratta invece di un dipinto a chiave che rivela una profonda conoscenza del jazz classico da parte del giovane pittore. La presentazione identificherà tutte le fonti iconografiche delle immagini usate nel dipinto, esplorando la loro relazione con la musica. Vedere una accanto all’altra le immagini originali ed ascoltare la musica sottintesa dall’opera porterà a una effettiva comprensione del dipinto come commento sulle radici e sullo sviluppo del jazz, portando una adeguata rivalutazione dell’opera di Basquiat nell’ambito della complessa trama della cultura africa-americana e della creatività nera nella diaspora delle Americhe grazie alla risoluzione dell’enigma nascosto da Basquiat nel suo quadro.

Prof. Francesco Martinelli

Dirige il Centro Studi sul Jazz “Arrigo Polillo” presso Siena Jazz, insegna storia del jazz presso la Siena Jazz University, l’Istituto Mascagni di Livorno e il Conservatorio Bomporti di Trento. Cura due collane di traduzioni per la EDT di Torino e la ETS di Pisa, con oltre 10 titoli prodotti ed è attualmente
impegnato nella redazione di una storia collettiva del jazz in Europa per conto di Equinox/Europe Jazz Network, in ricerche su Basquiat e il jazz in vista di una mostra al Barbican e nella redazione di un capitolo per la Oxford University Press History of Jazz in Europe.

Passi, fole e caròle

Il cammino che diventa danza, le storie che diventano canzoni, il paesaggio marchigiano che diventa scenario immaginifico di archetipi universali.

Nell’orizzonte creativo di Roberto Lucanero c’è la musica tradizionale, la musica antica, il folklore immaginario, l’improvvisazione; c’è il sacro e il profano; c’è il colto e il popolare.

C’è il tentativo utopistico di ricollegare tutti questi ambiti musicali apparentemente eterogenei alla cosiddetta musica perennis ovvero a quel flusso musicale tradizionale ininterrotto che dalla notte dei tempi fino al Rinascimento ha pervaso la cultura occidentale per poi essere relegato, in maniera netta proprio dal Rinascimento in poi, negli ambiti folklorici, pur sopravvivendo in parte (unico esempio in ambito colto) nelle danze di corte.

Questo obiettivo poetico filosofico si concretizza in una musica diretta, coinvolgente, immediata, priva di intellettualismi e lontana il più possibile da revivalismo e filologia.

Roberto Lucanero: organetto, organetto semitonato, organo portativo, voce

Roberto Lucanero è musicista ed etnomusicologo. È uno dei pochi artisti a suonare professionalmente la fisarmonica a piano, l’organetto diatonico, l’organetto semitonato e … l’organo portativo medievale! È anche compositore, didatta e saggista. È conosciuto per aver portato il saltarello e la musica tradizionale marchigiana nel circuito del Bal Folk internazionale. Alla musica e al genius loci musicale marchigiano, oltre a vari saggi ed articoli, ha dedicato interamente due album discografici: il visionario Marchigianista del 2011 e il tradizionale Lu.Me. Vivo, in duo con Marco Meo, del 2015. Nei primi mesi del 2022 ha pubblicato un singolo al mese, da gennaio a giugno, il 21 di ogni mese. La serie di inediti è culminata con l’uscita di Solstitium, il 21 giugno, giorno del solstizio d’estate ed è iniziata con il brano Cris, che ha ottenuto in circa un anno più di 450.000 ascolti su Spotify. 

Roberto Lucanero attualmente è docente di Storia del jazz, delle musiche improvvisate ed audiotattili presso il Conservatorio Statale di Musica “A. Casella” dell’Aquila.

“Euphonia” è una suite che incorpora i brani in un “Flow”, un flusso ininterrotto che,

attraversando vari stati emozionali, accompagna l’ascoltatore ad uno stato quasi

trascendentale.

E’ un’esperienza che va al di là della normale sequenza di canzoni, legandole e fondendole

nell’improvvisazione e nel mistero dell’enarmonia, che è la magica capacità delle note di cambiare senso e funzione a seconda della tonalità.

Il progetto è frutto dell’intesa con due straordinari musicisti. Mirko Signorile che intesse un suo continuum spazio temporale attorno alla massa gravitazionale delle melodie in contrappunto con le traiettorie del sax di Raffaele Casarano, creando con sapienza armonica congiunzioni sorprendenti.

Il Flow si sviluppa spontaneamente in un’interpretazione ogni volta unica e diversa sul canovaccio delle canzoni di Finardi, con qualche omaggio ai suoi autori più cari, da Battiato a Fossati, dando un respiro più ampio alle emozioni, condivise in un’intensa esperienza collettiva.

<< “La vita è l’arte dell’incontro”, dice Vinicius de Moraes e per i musicisti questo è ancora più vero perché la musica è un linguaggio universale che non necessita di traduzioni ma di cui ognuno ha un proprio personalissimo accento. Ecco, quando Raffaele Casarano, Mirko Signorile e io ci incontriamo attorno ad un pianoforte si crea un lessico particolarissimo e intrigante. >>

Un concerto/esperienza di grande energia ma anche di grande delicatezza e verità emotiva.

BIOGRAFIE

Eugenio Finardi (Milano 1952) è un cantante e musicista, autore e compositore italiano tra i più noti. Basta dire che iniziò la sua carriera negli anni settanta incrociando e collaborando con i maggiori protagonisti della scena artistica milanese. Da Demetrio Stratos a Fabrizio De André, in un humus culturale che comprendeva Battiato, Battisti AREA, PFM, Carmelo Bene, Mogol, Gianni Sassi, Dario Fo, Claudio Rocchi, Camerini… la lista sarebbe infinita. Da ormai vent’anni ha lasciato il mondo della “Musica Leggera” per dedicarsi ai più svariati progetti speciali, seguendo la sua insaziabile curiosità musicale, Con Francesco Di Giacomo incide un album di FADO, traducendo Amalia Rodrigues.

Segue ANIMA BLUES, un tour e un album che hanno stupito e convinto. IL CANTANTE AL

MICROFONO un progetto di musica contemporanea con il sestetto SENTIERI SELVAGGI diretto da Carlo Boccadoro su musiche di V.Visotsky riscritte da Filippo Del Corno. Il suo eclettismo e la sua duttilità gli hanno permesso di affrontare e fare suoi i più diversi generi musicali. Con EUPHONIA raggiunge una maturità e una libertà d’intenti che solo l’età può dare.

Raffaele Casarano, sassofonista leccese, classe 81, si avvicina allo studio del sax all’età di sette anni e si diploma in sassofono 2004. Frequenta successivamente masterclass con Dave Liebman, Maurizio Giammarco e molti altri. Raffaele Casarano è direttore artistico e ideatore del “Locomotive Jazz Festival”. Incide nel 2005 il primo disco, “Legend”, mentre è del 2008 “Replay”.

Entrambi i lavori vedono Paolo Fresu ospite. Nel 2010 partecipa come sax solista all’interno delle musiche composte da Giuliano Sangiorgi, per “Koltès”, lo spettacolo dell’attore Claudio Santamaria. Nel 2011 e nel 2012 continua la serie di fortunate collaborazioni con Giuliano Sangiorgi che chiama spesso Raffaele ad esibirsi in forma di duo anche durante diverse date dei tour Negramaro. Il 2013 è l’anno della maturità: lavora in diverse date del tour internazionale della formazione di Manu Katché e pubblica “Noè”, il nuovo disco del suo Locomotive Quartet. Nel 2015, pubblica ‘MEDINA’ il suo ultimo disco realizzato con l’Orchestra della Provincia di Lecce ICO T. Schipa e con la partecipazione del norvegese Erik Honoré. Attualmente è impegnato in una tournée internazionale con Dhafer

Youssef. Ha collaborato e inciso con: Buena Vista Social Club, Sting, Paolo Fresu, Noa, Giuliano Sangiorgi, Francesco De Gregori, Fiorella Mannoia, Daniele Silvestri, Paola Turci, Piero Pelù, Simona Molinari, Manu Katché, Richard Bona, Peppe Servillo, Eugenio Finardi, Stefania Rocca, Fabrizio Bosso e molti altri.

Mirko Signorile nasce a Bari dove si diploma in pianoforte ed in musica jazz con il massimo dei voti. Incide nel 2001 il suo primo disco “In full life” per la Soul Note, storica etichetta milanese che lo fa conoscere nell’ambiente del jazz italiano. Da allora una serie di tour lo portano in giro per festival e teatri sia in Italia che all’estero. Si esibisce negli studi di Via Asiago per RadioTre più volte e suona le sue musiche per i Concerti del Quirinale (con Giovanna Carone). Nel 2005 scrive la colonna sonora de “La baracca” e nel 2007 de “Il passaggio della linea” entrambi del regista Pietro Marcello.

Compone la colonna sonora per lo spettacolo “Hell in the Cave” di Giusy Frallonardo ancora tutt’ora in scena nelle suggestive Grotte di Castellana. Scrive la musica per la silloge poetica “Figli della luce” con i versi di Enzo Quarto e le immagini di Uccio Papa. Dal 2015 insegna presso il Conservatorio “Giovanni Paisiello” di Taranto.

Ginevra Di Marco, fra le più raffinate interpreti del panorama italiano, nel suo percorso artistico incrocia volti, suoni, memorie, fa suoi canti in lingue diverse, si confronta con artisti italiani e internazionali  in un continuo scambio musicale e umano.

Le canzoni di Ginevra Di Marco, che interpreta i testi sociali e civili della musica folk e popolare – così come canzoni della sua storia personale – si fondono con le poesie di Franco Arminio, creando un nuovo spettacolo. “È stato un tempo il mondo”, verso di una canzone dei CSI, dà il titolo alla serata per ricordarci cosa è stato il mondo e cosa sta diventando, attraverso canzoni popolari, poesia popolare, canzoni d’autore, momenti intimisti e di festa.

Franco Arminio è nato e vive a Bisaccia, in Irpinia d’Oriente. Ha pubblicato molti libri, che hanno raggiunto decine di migliaia di lettori. Ha guidato molte azioni contro lo spopolamento dell’Italia interna e ha ideato la Casa della paesologia a Bisaccia e il festival La luna e i calanchi ad Aliano.

“Siamo vicini nello sguardo sulla vita, l’essere sensibili  al silenzio, ai margini, al non clamore, alla bellezza dei paesi abbandonati, al sacro che ci sta intorno e che la nostra vita frenetica non contempla più, visioni che  invece sentiamo essere motivo e scopo, tra gli altri, della nostra musica.”

Ginevra

Line up:

Ginevra Di Marco: voce

Franco Arminio: narratore

Francesco Magnelli: tastiere

Andrea Salvadori: chitarra

BOB DYLAN

Frammenti di vita, di opere e “miracoli” del leggendario songwriter americano in un suggestivo spettacolo di 

racconti, suoni e visioni.

con  : EZIO GUAITAMACCHI – DAVIDE VAN DE SFROOS – ANDREA MIRO’ – BRUNELLA BOSCHETTI 

“Ezio ha deciso di ripartire per uno dei suoi viaggi narrativi e sonori e noi siamo stati invitati a fare parte di questo splendido gioco, alla scoperta di un uomo chiamato Bob Dylan.”          Davide Van De Sfroos,

Essere contemporanei di Bob Dylan è come essere contemporanei di Shakespeare.

Come raccontare allora il bardo di Duluth? Come raccontare un poeta laureato, vivente e ancora magnificamente attivo? Come raccontare uno che racconta noi e che ha cantato almeno tre generazioni di noi? A sessant’anni dall‘uscita di “Freewheelin’ Bob Dylan, ad esempio, come raccontare l’epopea che stava cominciando, quelle canzoni diventate sangue universale, quella copertina commovente, quella tenerezza?

Scritto e interpretato dal giornalista, scrittore e musicista Ezio Guaitamacchi, “Un uomo chiamato BOB DYLAN” vede DAVIDE VAN DE SFROOS, nell’inedito, triplo ruolo di musicista, attore e pittore, calarsi nei panni di Bob Neuwirth, cantautore amico di Dylan. Mentre ANDREA MIRO’ (direttore musicale dello show) interpreta la figura di Joan Baez con la bravissima vocalist BRUNELLA BOSCHETTI a completare il cast.

Storie accattivanti e aneddoti gustosi si alterneranno a brani epocali “dylaniati” in chiave acustica con immagini storiche proiettate su un grande schermo a impreziosire il tutto e a suggestionare il pubblico.

In repertorio: Blowin’ In The Wind, Just Like A Woman, My Back Pages, All Along The Watchtower, Like A Rolling Stone, Hurricane, The Times They Are A-Changing, Shelter From the Storm, Not Dark Yet

EZIO GUAITAMACCHI 

Giornalista e critico musicale, autore e conduttore radio/tv, scrittore, musicista, docente e performer, Ezio nella vita fa un sacco di cose divertenti.

Direttore dal 2014 della collana dei libri di musica per Hoepli, collabora con il magazine The Good Life e, negli anni, ha fondato due mensili di musica (Hi, Folks! E JAM) ideato e condotto programmi radio televisivi per Italia 1, Canale 5, Telepiù, Odeon, Canal Jimmy, Sky Arte, RaiSat, Radio Rai, RSI, Radio Popolare. Quando poi non dirige la JAM TV, non trasmette sulle onde di LifeGate radio, non insegna giornalismo e critica musicale al CPM di Milano, non scrive un saggio sul rock (ne ha pubblicati 25…) o non è sul palco con le sue chitarre a raccontare i suoi Rock Files, gioca a tennis e gira il mondo, spesso “sulle strade del rock”.

Dopo la partenza del tour nei principali club in Italia e in Europa, Diodato proseguirà il suo viaggio musicale nell’estate 2023 con le prime date di “Così speciale tour”, prodotte da OTR LIVE che vedranno il cantautore ospite dei più prestigiosi festival d’Italia. 

Riconosciuto tra i cantautori più raffinati e apprezzati del nuovo panorama musicale italiano, Diodato prosegue nei festival il suo viaggio live iniziato con dieci date, prodotte da OTR LIVE, nei principali club italiani ed europei. Il tour nei club è partito con successo da Padova per poi spostarsi a Milano il 20 aprile all’Alcatraz e proseguirà il 22 aprile al Teatro della Concordia di Torino, il 27 aprile all’Estragon a Bologna, l’11 maggio presso Clamores a Madrid, il 18 maggio al Maschinenhaus a Berlino, il 20 maggio al Café de la Danse a Parigi, il 26 maggio al club Bitterzoet di Amsterdam e infine il 27 maggio a Praga presso Palàc Akropolis.

Diodato torna con questi speciali concerti per ricongiungersi al suo pubblico e per arricchire il futuro da costruire insieme, canzone dopo canzone, compiendo insieme uno straordinario viaggio musicale tra i suoi più grandi successi,  brani di repertorio e le nuove canzoni estratte dal suo quarto album di inediti “Così speciale” (Carosello Records).

È in radio “Occhiali da sole”, il nuovo singolo estratto dall’album  “Così speciale”, che racconta l’inevitabile clash tra le diverse aspettative di una vita, le nostre proiezioni e quelle delle persone che ci amano e ci osservano nel tentativo di proteggerci.

Scritto, arrangiato e artisticamente diretto da Diodato, “Così speciale” è un album figlio della volontà di essere suonato soltanto da musicisti in carne ed ossa ed è stato prodotto e mixato da Tommaso Colliva, produttore discografico di fama internazionale e vincitore di un Grammy Award nel 2015, e masterizzato da Giovanni Versari. Le sessioni di registrazione che hanno portato alla sua nascita, che hanno compreso anche sezioni orchestrali, sono state realizzate spesso in presa diretta, senza ulteriori sovraincisioni, soprattutto per quanto riguarda i brani in cui emerge più il sound da band.

L’album si compone di dieci tracce che rappresentano dieci attimi di vita, “sguardi sul mondo e tuffi negli abissi interiori per provare a riemergere con dieci fiori che profumano di vita”. Ancora una volta Diodato ci conduce al cuore delle questioni umane, arrivando in profondità, per tornare a rifiorire in superficie ancor più forti, consapevoli e arricchiti dal proprio vissuto.

“Così speciale” è disponibile in formato CD, vinile, vinile autografato in esclusiva su Amazon e in una speciale box deluxe in tiratura limitata e numerata contenente CD con artwork bianco, vinile con artwork bianco e differente grafica, 2 fogli di sticker che richiamano i fiori della cover in diverse dimensioni e due stampe in alta qualità, una delle quali realizzata dal fotografo Alessio Albi.

tore, polistrumentista e compositore di colonne sonore, Motta si avvicina alla musica sin da piccolo. Dopo aver frequentato il corso di Composizione per Film presso il Centro Sperimentale di Cinematografia, inizia a comporre colonne sonore.

Nel 2016 esordisce come solista con “La Fine dei Vent’Anni” (Premio Speciale PIMI per il migliore album d’esordio, Targa Tenco come miglior opera prima). Nel 2018 esce il secondo album “Vivere o morire” (1° posto nella classifica dei vinili più venduti) e vince la Targa Tenco per il miglior disco, risultando il primo artista a ricevere due targhe per i suoi primi due album.

Ad inizio 2019 partecipa al Festival di Sanremo con “Dov’è l’Italia”, vincendo il premio per il miglior duetto insieme a Nada. Il 19 marzo 2020 esce il suo libro “Vivere la musica”, pubblicato da Il Saggiatore, e nel 2021 arriva “Semplice”, il suo terzo album.

Nel 2022 torna in tour nei principali club d’Italia. Attualmente è al lavoro su nuova musica.

A maggio 2023 torna con nuova musica, pubblicando il brano “Anime Perse”, e annuncia il nuovo tour nei club 2023.

A giugno esce “La musica è finita”, primo singolo estratto dall’omonimo nuovo disco di inediti che uscirà in autunno.

Un giorno di novembre del 2022, in provincia di Cuneo, nel pieno delle lavorazioni per l’undicesimo disco dei

Marlene Kuntz, Cristiano Godano e Asso (che era nel team della produzione insieme a Taketo Gohara),

scoprono di avere in comune una grande passione per Neil Young. Una passione ben oltre il semplice “mi piace”, perché densa e intimamente connessa con le caratteristiche essenziali della sua poetica e della sua

musicalità. Ne nasce l’idea di fare un piccolo concertino per le persone del luogo che ospitava la residenza per le

lavorazioni del disco stesso, e quel concertino, riuscitissimo, fa capire ai due che si potrebbe organizzarne uno più strutturato da portare in giro per l’Italia.

E questo “… tour” è la realizzazione pratica di questo desiderio.

Un gioiellino di raffinata intimità, per una sorprendente connessione col mondo del creatore di

canzoni immortali come Heart of gold, My my hey hey, Harvest moon, Old man, Comes a time, On

the beach, Cowgirl in the sand e tante altre.

Non un tributo ovviamente, ma un atto d’amore all’insegna del feeling, della dedizione all’ottima

musica, del reciproco scambio di emozioni da offrire al pubblico. Il conoscitore/amante di Neil Young

non avrà da rimpiangere il canadese (apprezzando con stupore l’aderenza rispettosa di Godano e

Asso al loro musicista del cuore, e al contempo la rispettabile autonomia delle loro qualità artistico-

interpretative) e il neofita verrà accolto da note che lo faranno sentire comunque a casa, in quanto

affini alle poetiche e alla espressività di Godano, soprattutto in merito alla sua esperienza solista di

Mi ero perso il cuore, del 2021. Si percorrerà il tragitto artistico di Neil Young pescando nella vastità

del suo repertorio (con qualche sperabile sorpresa rispetto alle scelte più pronosticabili) e si

ascolteranno anche alcuni pezzi di Mi ero perso il cuore, che la presenza di Asso renderà potente e

memorabile.

“ Neil Young è stato il mio primo eroe rock. Avevo sui 15 anni quando mi ci imbattei, e fu una

folgorazione. Ho amato la sua dimensione solitaria (lui era chiamato “The loner”), che me lo

restituiva figura di seducente fascino, e la sua incredibile influenza su una enorme fetta del rock

alternative americano (e non solo) di ogni generazione dimostra chiaramente come sia nel cuore di

molti musicisti, che riversano su di lui un rispetto unanime. Sono del tutto permeato dalla sua

musicalità e dal suo feeling, e con il grande Asso (a sua volta fan del canadese, proprio come me)

sento di poter restituire una dimensione live tanto riguardosa e affettuosa quanto autonoma e a suo

modo autorevole. Sarà un concerto di carezzevole intensità, e doneremo al pubblico morbidezza e

dolcissima malinconia, quella tipica di Neil, che mi sedusse da giovane e mi forgiò e rimane impressa

indelebilmente in me a tutt’oggi. “

BIOGRAFIE

Cristiano Godano, conosciuto in tutta Italia come frontman dei Marlene Kuntz, band che ha segnato

la storia della musica in oltre 30 anni di attività, è un artista poliedrico, cantante, chitarrista, autore,

attore e scrittore. Classe ‘66, è nato a Fossano in provincia di Cuneo.

I Marlene Kuntz si formano nel 1989 e Cristiano ne diventa il cantante e l’autore di tutti i testi (oltre

130 canzoni). La peculiarità della sua scrittura, caratterizzata da una ricerca di significato e musicalità

non banali, lo rende presto identificabile come uno dei pochi musicisti in grado di scrivere inni

generazionali e programmatici fondendo il rock e le influenze d’Oltreoceano con la melodia.

Di pari passo con la crescita della fanbase dei Marlene Kuntz, la personalità di Cristiano Godano

raggiunge una solidità sempre maggiore. Viene chiamato a gestire workshop, incontri, laboratori di

scrittura e lezioni in tutta Italia. Nel 2012 inizia la docenza presso il Master in Comunicazione

Musicale dell’Università Cattolica di Milano. Sempre nel 2019 riceve il Premio Ciampi al MEI.

Esordisce come scrittore nel 2008 con “I VIVI”, un’opera di narrativa composta di 6 racconti. Edito

dalla Rizzoli per la collana 24/7 entra in ristampa dopo solo 1 settimana di vendite. Da questo libro

viene tratto il reading “Terrore” portato in giro per l’Italia accompagnato dalle musiche improvvisate

di Riccardo Tesio. Nel 2019 pubblica “Nuotando nell’aria” (La Nave di Teseo): ripercorrendo canzone

per canzone i primi 3 dischi della band – Catartica, Il Vile e Ho ucciso paranoia – e illustrandone i

retroscena del processo creativo, scrive un’involontaria e generosa autobiografia delle origini, densa

di aneddoti, riflessioni e materiale inedito, un vero e proprio atto d’amore verso il pubblico, la storia

ed il futuro della sua band, ma soprattutto verso le parole e la musica, muse ispiratrici di ogni sua

creazione. Il 26 giugno 2020 esce il suo primo album da solista dal titolo “Mi ero perso il cuore”.

Osannato da pubblico e critica, il disco ha una forte impronta acustica, ed è estremamente intimo

con testi diretti nella loro urgenza espressiva. Nel 2021 entra nella cinquina del Premio Tenco, come

“migliore opera prima”: si piazzerà al secondo posto con 39 voti.

Chitarrista e compositore, Alessandro Stefana, meglio conosciuto come “Asso” , si avvicina alla musi-

ca grazie al padre.

Nel 1987 segue studi di chitarra classica che proseguiranno sino al 1998. Col tempo si incuriosisce ed

appassiona a molti altri strumenti, creando un mondo molto personale di suoni e visioni, che spazia-

no da atmosfere oniriche a immaginari vagamente western, con riferimenti sia al blues rurale sia alla

psichedelia. Tutto è reso ancor più suggestivo dall’insolito accostamento di molteplici strumenti qua-

li: steel e pedal steel guitar, kalimba, omnichord, loop di vinili, ukulele, balafon, chitarra elettrica, banjo, echi a nastro.

Nel 1998 forma i Lumière Electrique con i quali pubblica l’album omonimo, distribuito in Italia da

“Wallace Records” ed un ep autoprodotto in vinile 7”: “A Photographer in Paris” pubblicato nel 2003.

Nel 2002 conosce il cantautore Marco Parente con il quale incide i seguenti album: Trasparente , L’At-

tuale Jungla , Neve e Ridens . Degli ultimi due è anche coautore ed arrangiatore di alcuni brani non-

ché tecnico di registrazione per buona parte del lavoro.

Nel 2003 realizza un sogno di lunga data creando un piccolo “laboratorio di musica” il Perpetuum

Mobile, inizialmente ad uso strettamente personale ed in seguito aperto anche ai lavori di amici.

Nello stesso anno collabora sia con Micevice, in occasione del disco-tributo ai Pavement “Everything

Is Ending Here” dell’etichetta indipendente italiana Homesleep, sia al disco “Piccoli Fragilissimi Film”

di Paolo Benvegnù.

Nel 2004 suona chitarre e pedal steel guitar nel disco “Hamlet Machine” dell’amico Goodmorning-

boy. Collabora inoltre con la band americana The Belles arrangiando alcuni brani per pianoforte, steel

guitar e chitarre elettriche.

Nel 2004/2005 è chitarrista di El Muniria, gruppo dello scrittore e musicista Emidio Clementi nel tour

per il disco “Stanza 218”. Accompagna l’artista anche in reading letterari.

Sempre nel 2004 cura la sonorizzazione, compone ed esegue musiche per pedal steel guitar, vinili,

campionatori e altri strumenti nei reading di presentazione del libro: “Non si muore tutte le mattine”

di Vinicio Capossela. Collabora dal vivo con la cantautrice Cristina Donà.

Nel corso del 2005 partecipa alle registrazioni del disco “Ovunque Proteggi” di Vinicio Capossela, suo-

nando banjo, dobro, drum machine, chitarre elettriche e classiche. Del brano “Pena de l’alma” è an-

che coproduttore. Collaborando con Capossela ha l’occasione di suonare con: CALEXICO, MATTEO

SALVATORE, MARC RIBOT, SHANE MACGOWEN AND THE POPES, FLACO JIMENEZ.

Nello stesso anno registra il disco solista “Poste e Telegrafi”, al quale partecipano importanti ospiti:

Marc Ribot chitarra elettrica, Leo Abrahams chitarre laptop, Marco Parente percussioni, Enrico Ga-

brielli clarinetto basso, Vincenzo Vasi basso, Davide Tidoni oggetti. Il disco sarà pubblicato dall’eti-

chetta americana Important Records nel marzo 2007.

Nel 2006 è membro del collettivo di improvvisazione elettro-acustica italo/francese Oleo Strut, ac-

canto a Xabier Iriondo, Aka_Bondage, Jérôme Florenville , Guillaume Beauron, Ravi Shardja e Arnaud

Durand. Il disco è pubblicato da Wallace Records.

Collabora stabilmente come polistrumentista sia con Marco Parente che nella band di Vinicio Capossela

Come nella poesia di Wystan Hugh Auden che dà il titolo allo spettacolo, così tentiamo un’indagine su cosa sia l’amore, oltre. Oltre le frasi fatte. Oltre i tutorial sentimentali, oltre la melassa dei romanticismi preconfezionati e oltre le infinite narrazioni d’amore che da film, libri e canzoni si sono stratificate in noi, rendendoci ostaggi di modelli e copioni. Tutto in amore appare oggi già visto, già sentito, già noto. E allora proviamo se non altro a cercarla, questa verità.

È quello che faranno Stefano Massini narratore pop, graffiante, ironico, spiazzante, indagatore delle storie quotidiane e degli stati d’animo, unico autore italiano nella storia ad aver ricevuto un Tony Award, l’Oscar del teatro americano e Luca Barbarossa, cantautore, scrittore e conduttore radiofonico, nel loro recital suonato che arriverà il 31 agosto all’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone. Stefano Massini racconterà l’amore con testi inediti accompagnato da brani scritti per l’occasione da Luca Barbarossa che andranno poi a dar vita a un album nato per questo spettacolo.

Uno spettacolo unico dove le storie che avranno come comune denominatore l’amore nelle sue varie forme, l’amore per la libertà, l’amore per la verità, l’amore per la giustizia e l’amore per l’amore, si intrecceranno con la canzone d’autore per coinvolgere il pubblico in un viaggio. L’amore sotto la lente del microscopio, l’amore sul banco degli imputati, l’amore sul lettino dell’analista, l’amore sulla partitura dell’orchestrale. L’amore che ci circonda, ovunque. Eppure, non sai bene cosa sia.

Un viaggio tra canzone d’autore, canzoni popolari e musica strumentale.

I due artisti si conoscono e sono amici da oltre vent’anni, hanno collaborato spesso partecipando ai reciproci dischi e scrivendo canzoni a quattro mani.

Adesso finalmente presentano il loro concerto in duo, Retablos, in cui fondono i loro percorsi artistici, differenti ma anche molto affini: quello della musica popolare e strumentale di Riccardo Tesi, uno degli organettisti diatonici più innovativi riconosciuti a livello internazionale, e la canzone d’autore e popolare di Giua, cantautrice e chitarrista molto apprezzata nella scena culturale e teatrale italiana.

Il titolo dello spettacolo è ispirato ad una delle maggiori espressioni dell’arte peruviana i Retablos, piccole scatole di legno portatili che anticamente contenevano figure di santi e che oggi riproducono anche scene della vita quotidiana.

Scatole magiche quindi, finestre che si aprono e raccontano, che ti fanno viaggiare in mondi lontani, proprio come la musica.

Mettetevi comodi, aprite le orecchie e il cuore, si parte!

BIOGRAFIA RICCARDO TESI

Organettista e compositore, è considerato uno dei musicisti più audaci e autorevoli della scena world europea .

Strumentista dallo stile inconfondibile è uno dei pionieri della riscoperta dell’organetto diatonico in Italia, strumento popolare del quale ha rivoluzionato il linguaggio e ampliato il vocabolario al di là della tradizione.

Assiduo travalicatore di frontiere geografiche e stilistiche nel corso della sua quarantennale carriera ha collaborato con nomi prestigiosi della world music italiana e straniera (C. Bueno, E. Ledda, D. Sepe, P. Vaillant, J. Kirkpatrick, J. Vali, M. Perrone, K. Junkera), del Jazz (G. Mirabassi, G. Trovesi, M.P.De Vito, P. Leveratto) , del Rock (Piero Pelù, PGR, Skiantos) fino alla grande canzone d’autore (F. De Andrè, I. Fossati, G. M. Testa, G. Gaber, C. Donà, Tosca….).

Leader di Banditaliana , uno dei gruppi italiani più acclamati a livello internazionale, e componente dei Samurai, quintetto di all stars dell’organetto europeo, ha suonato nei più importanti festivals folk & jazz europei con frequenti tournèe in Australia, Canada e Giappone.

Nel 2014 ha curato la nuova edizione di Bella Ciao per festeggiare i 50 anni dello spettacolo più importante della storia del folk italiano.

Ha registrato 24 album a suo nome , fra cui numerose produzioni originali dedicate al liscio, alla musica tradizionale toscana ed emiliana, ha composto musica per cinema e teatro e si è a lungo occupato di didattica come docente del Conservatorio “Tchaikovsky” di Catanzaro.

BIOGRAFIA GIUA

Maria Pierantoni Giua, in arte Giua, è una musicista, cantautrice, interprete, allieva del chitarrista Armando Corsi e pittrice.

Vincitrice dei Premi Lunezia, Castrocaro, Musicultura, Mantova Musica Festival, Festival de Cançó Barnasants di Barcellona. Finalista al Festival di Sanremo nei Giovani nel 2008. Cinque dischi all’attivo, molte collaborazioni teatrali come autrice delle musiche ed interprete in scena, e tante quelle musicali (Riccardo Tesi, Fausto Mesolella, Adriana Calcanhotto, Jaques Morelenbaum, Armando Corsi).

Ha lavorato con Neri Marcorè nello spettacolo Quello che non ho, tre anni di tournée che hanno registrato sold out in tutte le maggiori piazze italiane. Con lui è attualmente impegnata nello spettacolo La buona novella dedicato all’opera di Fabrizio De André.

È tra le fondatrici del Coro Popolare della Maddalena, e con l’ospedale San Martino di Genova sta portando avanti il progetto “Parkinsong”, un coro rivolto alle persone malate di Parkinson.

È autrice ed interprete in scena delle musiche di Maria Stuarda, dramma teatrale di Schiller per la regia di Davide Livermore, regista d’opera e direttore del Teatro Nazionale di Genova, per cui ha realizzato Human Pride, brano che accompagna la nuova stagione teatrale.

Come pittrice ha esposto a Shanghai, Genova, Roma, Firenze, Madeira, Malta con mostre personali nei format Artour-o e Misa ideati dall’Arch. Tiziana Leopizzi.

Attualmente sta lavorando al suo nuovo disco.

Previsto annualmente a cavallo dell’8 agosto, 8/08, in onore degli 88 tasti del pianoforte. Finalizzato alla promozione e alla rivalutazione del territorio, PiaNostrano è un’iniziativa legata alla musica, all’arte e allo spettacolo, ma anche e soprattutto ai talenti, alla bellezza e alle bontà nostrane: il tutto declinato al pianoforte in maniera variegata e originale.

Il borgo ospiterà stand di esposizione e vendita di specialità gastronomiche, prodotti di artigianato, mostre fotografiche e di pittura, esibizioni e performances legate in vario modo al territorio nostrano e al pianoforte. Tra le attività fisse, PiaNostrano prevede: PianoGioco, Paint-piano; Piano-Teatro; Rap-Piano, e, infine,

Sono le note calde del pianoforte ad abbracciare le varie iniziative del Festival che, snodatesi sin dal pomeriggio nelle vie del piccolo borgo di Montelparo, confluiranno nei due spettacoli serali presentati dal funambolico Lorenzo Kruger: ospiti d’eccezione del panorama musicale locale e nazionale riarrangeranno i propri brani al pianoforte in esclusiva per PiaNostrano.

Anonima Frottolisti, nasce nel 2008 ad Assisi dal risultato dell’incontro di musicisti provenienti da esperienze musicali e di studio internazionali, collaboratori di alcuni tra i più noti “ensemble” di musica antica europei. Anonima si occupa del repertorio medievale e rinascimentale, con particolare attenzione alle produzioni musicali dell’Umanesimo europeo. La prassi e la ricerca di Anonima Frottolisti, sono caratterizzate dall’utilizzo di partiture originali, dallo studio paleografico e storico-musicologico, nella consapevolezza del valore della scrittura e della teoria dell’epoca. Anonima Frottolisti si è esibita in Italia e all’estero in alcuni dei più importanti festival di musica antica europei: Svezia, Bosnia, Inghilterra, Svizzera, Slovenia, Croazia, Italia, Spagna, etc…. L’ensemble Anonima Frottolisti collabora con l’Aps Ritmi di Assisi e la Cooperativa “Officine della Cultura” di Arezzo. Per la casa discografica Tactus, ha pubblicato: “MUSICA DISONESTA”- “GLORIOSUS FRANCISCUS”- “DI CORTE IN CORTE”- “ALMA SVEGLIATE ORMAI”- LA MUSICA NELLE LETTERE D’ISABELLA D’ESTE” Per la Brillant, in collaborazione con Armoniosoincanto, Dir. Franco Radicchia, ha inciso l’integrale del Laudario di Cortona. Per la produzione Ritmi, ha registrato la “Passio Sancti Ruphyni”, Passio medievale dedicata al Patrono della città di Assisi. L’ensemble cura la direzione artistica del Festival Musica dalla Torre – Marciano della Chiana (Ar) e collabora con l’Accademia d’Arti Antiche Resonars nei progetti didattici inerenti la musica medievale e rinascimentale. Nel 2020, l’ensemble è stato nominato nella International classical music awards. L’ensemble ha collaborato a produzioni cinematografiche, serie televisive, con emittenti radiofoniche e televisive internazionali, tra queste: “L’ombra di Carvaggio”, “I Borgia”, RaiRadio3, RSI2, Radio HRT, Rai1, i documentari sul Francescanesimo – Lauro Production,.. . Nel 2021 ha firmato la colonna sonora del film “Chiara” della regista Susanna Nicchiarelli, in concorso alla Biennale di Venezia 79.

Mario Venuti suona i suoi più grandi successi “SOLO” con chitarra e voce. Un incontro “intimo” in cui il cantautore disegna tre decenni di carriera, cantando i suoi pezzi storici e nuovi successi con un arrangiamento che sa di colore e di sonorità brasiliane.

Mario commenta: “In attesa del nuovo album che è in lavorazione, la prossima primavera-estate farò dei concerti nella ultra collaudata formula in solo, rinnovando un po’ la scaletta”. 

Formazione: 

Mario Venuti: voce/chitarra classica

BIO | MARIO VENUTI

Cantautore e chitarrista catanese, inizia la sua carriera negli anni ’80 con la band “Denovo”. Dopo otto anni intraprende la carriera da solista e nel 1994 pubblica il suo primo disco da solista “Un po’ di febbre” e nel 1996 il secondo album “Microclima”. Nel 1997 partecipa a Sanremo Giovani con il brano “Il più bravo del reame”, preludio del disco “Mai come ieri” che ottiene un grande successo di pubblico e critica. A gennaio del 2003 pubblica l’album “Grandimprese”, anticipato dal singolo “Veramente”. Nel 2004 con il brano “Crudele”, Mario Venuti, riceve a Sanremo il Premio della Critica e il Premio Radio e Tv. Nel 2005 esce il disco “Magneti”, mentre nella 56esima edizione del Festival di Sanremo porta, insieme agli Arancia Sonora, il brano “Un altro posto nel mondo”. Segue una tournée di un anno che sfocia nella pubblicazione dell’antologia “L’officina del fantastico” che ripercorre quattordici anni di successi del cantautore catanese e che viene presentato al Festival di Sanremo del 2008 con l’inedito “A ferro e fuoco”. Nell’ottobre 2009 pubblica l’album di inediti “Recidivo”. Nel 2011 Mario si esibisce in concerti acustici, senza accompagnatori sul palco, in tutta Italia. Nel 2012, anticipato in radio dal singolo “Quello che ci manca”, pubblica il suo settimo album da solista, “L’ultimo romantico” e nel 2014 esce con il suo ottavo disco da solista “Il tramonto dell’occidente”, un concept-album scritto a sei mani, con Kaballà e Francesco Bianconi. Nel 2016 decide di rivisitare con gli Urban Fabula in chiave Jazz i classici della canzone italiana e internazionale e canzoni del proprio repertorio, dando vita al progetto Mario Meets Jazz. Quest’anno in primavera ha pubblicato il suo nuovo album “Motore di vita”, prodotto artisticamente da Mario Venuti insieme a Seba. Il disco vanta anche la collaborazione artistica di Kaballà e la presenza del batterista jazz e arrangiatore ritmico Luca Scorziello. Tutto il disco emana un umore disteso e positivo e suona come un ripetuto GRAZIE per gli immensi doni che la vita può donarci. Dopo “Motore di vita” (2017) è la volta del decimo album Soyuz 10 dal quale vengono estratti tre singoli: “Il pubblico sei tu”, “Ciao cuore”, e “Silenzio al silenzio”, attualmente in rotazione radiofonica.

A marzo del 2020 sul canale YT ufficiale viene pubblicata la serie “Casacasa Live Session”: una raccolta di sette live in cui l’artista ha eseguito alcuni dei suoi brani più famosi direttamente dal salotto di casa sua. Nel mese di maggio i brani sono stati pubblicati su tutte le piattaforme digitali. Il 17 settembre 2021 è uscito “TROPITALIA”, progetto nel quale Mario Venuti si diverte a giocare, diventando puro interprete, rileggendo alcuni brani popolari della canzone italiana in chiave tropicalista. Il 19 maggio esce il nuovo singolo, NAPOLI-BAHIA feat. LUCARIELLO, FABIANA MARTONE e NENEY SANTOS. Per l’estate 2023 in attesa dell’uscita del nuovo album prevista in autunno, Mario Venuti porterà in tour i suoi più grandi successi.

Gail Archer è un’organista internazionale di concerti, artista di registrazione, direttore di coro e docente che attira l’attenzione sugli anniversari del compositore o sui temi musicali con la sua serie di recital annuali a New York City, tra cui la sua serie del 2021, A Slavic Celebration e Max Reger, The Muse’s Voice, Un idillio americano, Listz, Bach, Mendelssohn e Messiaen. La signora Archer è stata la prima donna americana a suonare le opere complete di Olivier Messiaen per il centenario della nascita del compositore nel 2008: Time Out New York ha riconosciuto il ciclo Messiaen come “Best of 2008” nella musica classica e nell’opera. Le sue registrazioni includono la sua nuova uscita polacca del 2022, Cantius, and Chernivtsi, A Russian Journey, The Muse’s Voice, Franz Liszt: A Hungarian Rhapsody, Bach: The Transcendent Genius, an American Idyll, A Mystic in the Making (Meyer Media) e L’Orfeo di Amsterdam: Sweelinck ei suoi allievi (CALA Records). Il tour europeo del 2022 della signora Archer l’ha portata in Svizzera, Germania, Polonia e Lituania. I punti salienti includono lo Zuger Orgeltage, Lucerna, Svizzera, la chiesa luterana di San Giorgio, Glauchau, Germania con il suo raffinato organo Silbermann (1730), la chiesa luterana di San Paolo, Darmstadt, Germania e il Festival musicale di San Cristoforo, Vilnius, Lituania.

È la fondatrice di Musforum, www.musforum.org, un network internazionale di donne organiste per promuovere e affermare il proprio lavoro. La signora Archer è organista del college al Vassar College, direttrice del programma musicale al Barnard College, Columbia University, dove dirige il Barnard-Columbia Chorus and Chamber Singers e membro della facoltà dell’Harriman Institute, Columbia University. È direttrice artistica della serie di recital per artisti e giovani artisti presso la storica Central Synagogue, New York City.

Matteo Venturini (Firenze, 1981) è professore di Organo al Conservatorio di Musica “A. Pedrollo” di Vicenza, docente ospite presso l’Accademia “Organistas de México” di Città del Messico e organista titolare della Cattedrale di San Miniato – Pisa.

Ha conseguito cinque diplomi studiando presso i conservatori di Firenze e Perugia, l’Istituto Pontificio di Musica Sacra di Roma e la Musikhochschule di Friburgo – Germania con i maestri Giovanni Clavorà Braulin (Organo e Composizione Organistica, con lode), Damiano D’Ambrosio (Composizione), Luca Scandali (Diploma Accademico di Secondo Livello, col massimo dei voti), Theo Flury (Post-gradum in Improvvisazione, con lode) e Klemens Schnorr (Diploma di Concertista, col massimo dei voti).

È vincitore di otto concorsi nazionali ed internazionali di esecuzione organistica, ha inciso una ventina di cd, svolge attività concertistica in Europa ed America ed è direttore artistico dell’Associazione “Amici dell’Organo della Pace” di Sant’Anna di Stazzema – Lucca (www.matteoventurini.it)

Tomé Olives nato a Minorca (Isole Baleari) nel 1972, ha ottenuto i titoli di più alto livello nello studio dell’organo, armonia e composizione, aggiudicandosi anche numerosi premi e riconoscimenti.

In Spagna ha studiato con Monserrat Torrent e dopo si è recato in Germania, dove ha studiato nella classe di organo di Klemens Schnorr e con Wolfgang Hörlin e in Francia con Marie-Claire Alain e Eric Lebrun. Ha ricevuto lezioni anche da Juan de la Rubia.

Ha tenuto concerti in Spagna, in numerosi Paesi dell’Unione Europea, Russia, e Nuova Zelanda, esibendosi anche in duo con il baritono Joan Pons e con Victor Khotulev, flautista presso la Filarmonica di Mosca.

Attualmente ricopre il ruolo di organista titolare presso la cattedrale della Cittadella di Minorca e presso l’organo monumentale di Mahon, dove tiene una serie di lezioni-concerto riservate ai bambini dai 3 anni di età.

L’interesse verso le nuove possibilità offerte dalla tecnologia lo hanno spinto a creare le musiche per il video mapping “l’orgue viu” in omaggio all’organo e all’organaro della chiesa di Santa Maria a Mahon e “el davallament”, composizione sacra basata a sua volta sul “cant de la sibi.la”.

Ha al suo attivo la registrazione di quattro compact-disc, alcuni dei quali con sue composizioni, edite da Brotons-Mercadal.

Francesca Benetti è tiorbista e chitarrista. Incomincia la sua formazione a Trento, sua città natale, e si diploma in chitarra classica con il massimo dei voti e la lode al Conservatorio Benedetto Marcello di Venezia. Prosegue gli studi chitarristici alla Hochschule der Kuenste (Università delle Arti) a Berna nella classe del M° Elena Casoli. Parallelamente approfondisce lo studio della prassi antica e del repertorio barocco a Basilea con il liutista Peter Croton presso la Schola Cantorum Basiliensis, specializzandosi nella prassi antica fino al periodo romantico e nello studio del basso continuo. La sua attività concertistica come solista e in formazione da camera con gli strumenti a pizzico antichi vanta collaborazioni in Svizzera e Italia con rinomati direttori ed orchestre barocche (tra cui La Cetra Baroque Orchestra Andrea Marcon, Capella Concertata, Neuer Basler Kammerchor). In Italia si esibisce al Festival Monteverdi di Cremona, Festival Mareterra, Fondazione Giorgio Cini di Venezia, Villa i Tatti e molti altri. Abbina l’attività di strumentista a quella di cantante barocca. E’ direttrice artistica dell’ensemble Concerto di Margherita, specializzato nella singolare prassi storica del canto accompagnato nel repertorio madrigalistico italiano del primo 600 e con il quale si esibisce nei maggiori Festival di musica antica in Europa e Sudamerica tra cui il Festival d’Ambronay (FR), Freunde Alte Musik Basel (CH), Trigonale Festival (A), York Early Music Festival (UK), Internationale Händel-Festspiele Göttingen (D) e molti altri. Il suo progetto solistico «Verde Barocco», che valorizza le metafore poetiche legate alla natura nel repertorio del primo seicento italiano, la vede protagonista come cantante – tiorbista. 

Gilberto Scordari (Lecce, 1977) ha studiato presso il Conservatorio di Napoli, ottenendo nel 2006 il Diploma di Organo (M° A. Robilotta) e nel 2007 la Laurea di I livello in Teoria e Tecniche della Composizione musicale (M° E. Renna). Ha proseguito i suoi studi presso la “Schola Cantorum Basiliensis” (Svizzera), concludendo nel 2010 un Master in musica antica sotto la guida di Wolfgang Zerer. Nel 2011 ha ottenuto il Baccalaureato in Teologia presso la “Pontificia Facoltà Teologica dell’Italia Meridionale” di Napoli con una tesi sul rapporto fra musica di Bach e Vangelo. Si è esibito come solista su tutto il territorio nazionale ed in altri Paesi (Francia, Svizzera, Germania, Olanda, Bolivia, Messico, USA). E’ stato continuista dell’ensemble Gilles Binchois e di altri ensembles di musica antica (Zenit, Prothimia, Hortensia Virtuosa), oltre ad essere fondatore e direttore degli ensembles De Finibus Terrae e Schola Cantorum Barensis. È attivo come compositore: il suo brano ‘Toccata in Fuga’ ha ricevuto il terzo Premio ex-aequo al Concorso ‘Manoni 2006’ (Senigallia); ha inoltre in corso un progetto di scrittura – in collaborazione con Dominique Vellard – di un’opera da camera ispirata a ‘Le petit prince’ di Saint-Exupéry. Già organista titolare della Basilica dei SS. XII Apostoli (2011-2012) e ivi co-fondatore del Frescobaldi Festival, è stato anche Organista della Cattedrale di Bari (2017-2023). Fondatore e Direttore artistico del Festival N&B MARETERRA in Puglia, lavora al recupero, all’analisi e alla pubblicazione di diversi inediti musicali pugliesi dei secoli XVI e XVII. Da gennaio 2023 è Docente di Teoria dell’Armonia e Analisi presso il Conservatorio di Udine.

Jimin Oh ha conseguito la laurea in Canto in Corea del Sud nel 2005. In Italia ha conseguito il biennio in Musica Vocale da Camera al Conservatorio di Torino, il diploma di Canto e il biennio di Canto Operistico al conservatorio di Rovigo. Ha interpretato ruoli primari in produzioni liriche italiane e nei Vesperae solennes de confessore K. 330 di Mozart (Rovigo e Ferrara); la Quarta Sinfonia di Mahler (Rovigo); il Magnificat di John Rutter; il Requiem di Mozart e di Gazzaniga (in prima esecuzione moderna) a Vicenza. 

Ha eseguito e inciso, in prima esecuzione assoluta, l’ Annunciazione di Mario Lanaro e ha inciso inoltre La cantata della creazione e il Te Deum di Pierangelo Valtinoni. Nel 2009 ha vinto il premio della sezione All’Italiana nell’ VIII Festival Internazionale della Romanza da Salotto di Conegliano Veneto. 

Dal 2018 insegna canto e vocalità presso l’Istituto Diocesano di musica sacra e liturgica E. Dalla Libera e altri istituti del Veneto. Nel 2019 si è laureata con lode e menzione al biennio di canto barocco e rinascimentale al conservatorio di Vicenza. 

Francesco Grigolo organista e direttore di coro, attualmente Francesco Grigolo insegna Musica d’Insieme Vocale e Repertorio Corale ed Esercitazioni Corali al Conservatorio G.P. da Palestrina di Cagliari; è inoltre docente di organo e vocalità presso l’Istituto Diocesano di Musica Sacra e Liturgica di Vicenza e docente coordinatore presso l’Accademia “Piergiorgio Righele”.
Svolge un’intensa attività concertistica in Italia e all’estero sia come organista che come direttore. Dirige il coro misto “Coro Polifonico San Biagio” di Montorso Vicentino (VI) e il “Coro Maschile El Vajo” di Chiampo (VI), con i quali ha vinto numerosi premi di lignaggio internazionale, raggiungendo il primo posto in concorsi quali il Concorso Nazionale “Guido d’Arezzo”, il Concorso di Esecuzione per Coro e Organo “Caecilia Virgo” (VR), il Concorso Nazionale di Vittorio Veneto (TV) e il Concorso Nazionale di Santa Maria di Sala (VE). Ha ricevuto inoltre 4 premi speciali come miglior direttore.
Partecipa regolarmente come relatore e direttore di coro laboratorio a numerosi convegni musicali sulla direzione corale, sulla vocalità e sulla formazione per giovani direttori. E’ invitato regolarmente quale membro di giuria a concorsi nazionali ed internazionali di Canto Corale.
È promotore della musica e dell’attività organistica a livello nazionale e internazionale, ed è fondatore e direttore artistico del Festival Organistico in Arzignano – città al cui patrimonio organario ha dedicato come solista l’incisione del progetto discografico “Gli organi Mascioni in Arzignano”.

Lene Langballe (cornetto e flauto dolce) ha studiato flauto dolce con Vicki Boeckmann presso la Royal Danish Academy of Music di Copenhagen fino al 1992. Ha conseguito un master in flauto dolce alla Civica Scuola di Milano nel 1997 con il prof. Pedro Memelsdorff e ha proseguito gli studi di flauto dolce alla Schola Cantorum Basiliensis con Conrad Steinmann e cornetto con Bruce Dickey, diplomandosi nel 2002. Ha intrapreso studi post-laurea con cornetto a Parigi con Jean Tubery e William Dongois. Fin dai suoi studi Lene è stata una musicista molto attiva nel panorama della musica antica esibendosi sia come solista che con numerose orchestre e ensemble di musica da camera.

Collabora con Concerto Copenhagen, Ars Nova, Serikon, Barrokanerne tra gli altri, e appare in diverse registrazioni. Per molti anni si è esibita con il Danish Ensemble Authentia, nel 2014 ha fondato il duo BarokBureauet con l’organista Anne K. Mathiesen, e nel 2016 ha fondato l’Ensemble Blackguard.

Come solista nel 2017 ha registrato la Premiere Livre di J. Hotteterre con Ketil Haugsand. Collabora anche con il musicista norvegese Hans Knut Sveen specializzandosi nel lavoro con performance storiche, e il suono speciale del cornetto combinato con suoni elettronici. Una registrazione dovrebbe essere pubblicata nel 2018.

Insegna flauto dolce e musica da camera alla Royla Academy of Music di Copenhagen dal 2004.

Vibeke Astner (organo) si è esibito in tutta Europa sia come solista che come musicista da camera e ha un repertorio molto ampio.

Ha studiato organo e direzione d’orchestra alla Royal Danish Academy of Music di Copenhagen.

Poco dopo ha conseguito il diploma di Concertsoloist al Conservatory van Amsterdam, studiando con il Prof. J.v.Oortmerssen.

Successivamente si è specializzata nelle opere di Messiaen w. prof. Rössler a Dusseldorf e l’improvvisazione w. Prof. Dankzagmüller a Lubecca

Diverse trasmissioni per la radio e la TV danese.

Pricewinnar in concorsi radiofonici danesi come musicista da camera.

I suoi 7 CD: “Early organ music”, “Bach – a quiet hour”, “Danser med orglet” (trascrizioni 2 organisti), “Danser med orglet 2”. “Danish Romantic organmusic” (suonato su organi storici danesi),  “Les corps glorieux” (musica di O. Messiaen) e “Virtuos musik fra Venedig” (musica da camera) sono stati tutti accolti con crediti molto apprezzati in Scandinavia e sono spesso trasmessi a la Radio Nazionale Danese.

Felipe Adrián Rojero Herrera è nato nella città di Santiago de Querétaro. Ha iniziato i suoi studi presso il Conservatorio di Musica”J.Gpe. Velázquez” di Querétaro, la Scuola Superiore Diocesana di Musica Sacra di Guadalajara, la Scuola Superiore di Musica di Ratisbona e il Collegio Musicale di Ratisbona, Germania

Si è esibito in Germania, Portogallo, Italia, Francia, Austria, Stati Uniti e in Messico nei principali festival organistici.

E’ fondatore e direttore artistico del Festival Organistico Internazionale di Guadalajara.

Attualmente è professore presso l’Università di Guadalajara e direttore del Coro della stessa università, segue corsi di perfezionamento al pianoforte con Manuel de la Flor, direttore dell’ensemble vocale “Vox Coelestis” ed è insegnante di organo principale presso il Scuola di Musica Sacra di Guadalajara .

Il programma Piani ipnotici presenta musiche contemporanee dalla radice minimalista principalmente americana.
Le composizioni propongono dei diversi concetti di ascolto, basandosi sull’essenzialità del messaggio musicale, sul singolo elemento scarnificato e reiterato il quale porta la musica su un livello ipnotico ed enigmatico.
L’apertura del concerto è dedicata al brano di John Adams Halleluja Junction suddiviso in tre tempi senza nome. La “congiunzione” citata nel titolo è in rappresentanza dei punti di incontro tra i ritmi dei 2 pianoforti che spesso eseguono gli stessi ritmi ma come se uno fosse eco dell’altro. La parola Halleluja invece è idealmente da cantare sulle tre note di inizio brano, come un inno.
La musica di Arvo Pärt si concentra per buona parte nella tecnica dei tintinnabula dove gli intervalli tra le note e le linee melodiche imitano il suono, le assonanze e le riflessioni armoniche delle campane e degli organi religiosi restituendo in questo brano in particolare, Pari Intervallo, un un momento tra i più profondi dello spirito umano.
La ricerca di Steve Reich si è sempre concentrata sui poliritmi e il gioco tra le dissonanze, i battimenti, le flessioni e gli ondeggiamenti ritmici, creando una spazialità e una stereofonia sempre ben calibrata e sofisticata. In Piano Phase si raggiunge un’estasi e un momento meditativo tramite la reiterazione di piccoli materiali sonori, che slittano leggermente in avanti nell’interpretazione di uno dei due pianoforti, creando così delle sfasature ritmiche e delle combinazioni sonore sempre nuove e più profonde.
Ogni brano sarà anticipato dall’attrice Stefania Cippitelli, che leggerà poesie e racconti di stampo minimalista.

Francesca CESARETTI & Davide TURA due pianoforti